domingo, 31 de mayo de 2009

Motor, alma y sangre

LA RENGA EN LA PLATA

Como una aceitada máquina de rock potente y llano, una de las bandas más populares del país sacudió en el Estadio Ciudad de La Plata a 40 mil personas que llegaron desde distintos puntos del país. Gran fiesta del rock and roll

Fuente: http://pdf.diariohoy.net/2009/05/31/pdf/cuerpo.pdf

El Coliseo Podestá abre sus puertas al teatro independiente de toda la ciudad

Iniciativa municipal

Daniel Sosa y Paola Ponferrada, directores de la obra que abre el ciclo de teatro independiente

31-05-2009 / La propuesta arranca hoy con "Lombrices" y continuará todos los domingos. La obra de Pablo Albarello, inaugurará la apertura del ciclo de teatro independiente con las actuaciones de Pablo Fernández Iriarte y Esteban Matrángulo y bajo la dirección de Paola Ponferrada y Daniel Sosa.

Una iniciativa conjunta de la Municipalidad de La Plata, encarnada en la dirección del intendente de la ciudad, Pablo Bruera; el director del Coliseo Podestá, José Cipollone, y el director artístico de la institución, profesor Alejandro Fontenla, permitirá a artistas platenses independientes presentar sus espectáculos en el espacio ofrecido por el teatro municipal desde este domingo 31 de mayo a las 20 y durante todos los domingos sucesivos.

Lombrices, de Pablo Albarello, inaugurará la apertura del ciclo de teatro independiente con las actuaciones de Pablo Fernández Iriarte y Esteban Matrángulo y bajo la dirección de Paola Ponferrada y Daniel Sosa.

"La propuesta data de 2008, con la idea de ofrecer un espacio para el arte independiente de la ciudad de La Plata en este teatro. Es una iniciativa que implicará la colaboración de todos –destacó Cipollone–, desde nuestro lugar ofreciendo el espacio del Coliseo, ayudando a los grupos independientes, y desde los medios convocando a la gente a que se acerque para apreciar las producciones teatrales".

Esta nueva apuesta, ofrece a los grupos de teatro participantes una cantidad de invitaciones determinadas sin costo alguno, al tiempo que permite adquirir las entradas a un precio que oscilará entre los 10 y 15 pesos.

"No tiene que ser un espacio con proyectos de afuera, sino que debemos armar nuestras propias producciones. Debe ser el teatro de todos los artistas platenses", remarcó Fontenla. En cuanto al criterio de selección de las obras, el director artístico se refirió a la prioridad de la innovación sobre la dramaturgia. Alrededor de 25 grupos fueron los inscriptos y la realización se llevará a cabo una vez por mes.

Los directores de Lombrices, hablaron con Diagonales.

–¿En que se basa la síntesis argumental de Lombrices?

Daniel Sosa: –Es una comedia, con una concepción muy actual, de un actor porteño, Pablo Albarello. Y tiene un humor muy ácido por momentos, es la historia de dos mujeres mayores que viven aisladas en un submundo. De hecho, se produce un incendio y ellas nunca se enteran. Establecen un juego permanente entre lo que es el humor negro y el humor naif del otro personaje. Se establece permanentemente un juego de comedia muy lindo, donde ves las dos personalidades bien diferenciadas de estas vecinas. De hecho, el marido de una de ellas había sido el administrador del edificio.

Paola Ponferrada: –Los personajes son Martirio, que está representado por Pablo Fernández Iriarte, y el de Consuelo, por Esteban Matrángulo.

D.S.: –Nosotros pertenecemos al grupo Hechiceros de la noche, estamos ensayando en el teatro Luz y Fuerza. Pero ellos nos contrataron por afuera del grupo para que nos hiciéramos cargo de la dirección.

–¿Cómo se acercaron ustedes a la propuesta realizada por el Coliseo?

P.P.: –Nos acercamos cuando tomamos conocimiento de la propuesta a través de Internet. A partir de ahí, se generó una corriente de constante información con gente del Coliseo que nos ayudó muchísimo y, al mismo tiempo, ayudamos porque ellos nunca habían encarado este tipo de espectáculos. El teatro trae puestas hechas, y hubo que aprender a manejar la parte técnica, lumínica, de sonido. Todo lo fuimos viendo en grupo. Como decía el director del Coliseo Podestá, "estamos aprendiendo juntos". Ellos aprendieron la mecánica de poner una obra.

–¿Creen que La Plata empezará a darle espacio al teatro independiente con este proyecto?

D.S.: –El Coliseo Podestá jamás había tenido la apertura que está teniendo hoy al teatro independiente. Es un paso importante.

P.P: – El teatro independiente siempre fue circunscripto a pequeñas salas, con esfuerzo, a pulmón y jamás había tenido la oportunidad de subirse a un escenario como éste, con la envergadura y trayectoria que tiene el Coliseo Podestá. Es un proyecto que sienta un precedente para que todos los grupos de teatro local tengan la oportunidad de mostrar lo que hacen al público mayoritario.

–¿Cómo se enteraron que su obra quedó elegida?

D.S.: –El coliseo hizo una evaluación sin tener en cuenta la dramaturgia o historias de grupos. Esta obra cumplió con los requisitos que pedían, porque son dos personajes, porque se puede hacer desde una escenografía muy importante hasta otra minimalista. Tenía adaptabilidad técnica, es fácil de hacer a nivel técnico. La gente del Coliseo se contactó con nosotros y nos informó que había sido seleccionada. La composición externa de los personajes no fue tan fácil. Pablo Albarello sugirió que fuera hecha por hombres. Parecía complicado, pero todo se solucionó y estamos para arrancar.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-43266-El-Coliseo-Podesta-abre-sus-puertas-al-teatro-independiente-de-toda-la-ciudad.html

Ley para el teatro independiente

PRESENTES ENTRE OTROS, ESTUVIERON PACHO O'DONNELL, TITO COSSA Y LITO CRUZ.

TEATRO: EN LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES

Se presentó un proyecto que contempla el trabajo de dos mil grupos teatrales y la apertura de salas.

En la Casa de la Provincia de Buenos Aires se presentó el proyecto de Ley de Teatro Independiente. En el acto participaron, entre otros, Juan Carlos Gené, Arturo Puig, Cristina Banegas, Tito Cossa, Raúl Brambilla, Lino Patalano, Carlos Rottemberg, Víctor Laplace y Nora Cárpena.

Uno de los impulsores de la ley fue Lito Cruz, director de la Comedia de Buenos Aires, quien señaló que "la Ley Nacional de teatro hizo que se duplicara la cantidad de salas y que surgieran nuevos actores, directores. Con esta ley provincial se contemplará puntualmente el trabajo de unos dos mil grupos que involucran a 2 millones de espectadores por año; 1.500 estrenos anuales y 600 salas. Todo esto conforma un impacto social muy fuerte. La ley propone que el teatro no sean solamente los espectáculos, sino que, además, se debe incorporar un trabajo que apunte a crear un diálogo con las familias de los barrios luego de cada función."

El proyecto fue aprobado por el gobernador de Buenos Aires y espera ser sancionada por la Cámara de Senadores para que se convierta en ley. "Los tres puntos fundamentales de la ley -dice Lito Cruz- son la creación de un Consejo provincial, donde estarán representados las 15 regiones de la provincia de Buenos Aires. Por otra parte, el Consejo va a manejar el dinero proveniente de un 8,25 por ciento de los fondos de la Loteria de Buenos Aires, que significa cinco millones de pesos anuales. Este dinero será destinado al mantenimiento de las salas. Queremos que estén abiertas y tengan programación todo el año, y para eso es fundamental equiparlas.

Otra parte del dinero será para la creación de grupos y el apoyo al teatro comunitario, que tiene un protagonismo destacado en la provincia. El tercer aspecto de la ley será fomentar el teatro en varios lugares de la provincia y hacer convenios con los municipios. Con respecto al Consejo, que representará a la provincia, será compuesto por 15 integrantes, más el presidente y un representante de Cultura de la Provincia. "

Fuente: Clarín

¿QUE ES FETIBO?

ES LA FEDERACIÓN DE TEATRISTAS INDEPENDIENTES BONAERENSES

SEDE CENTRAL - Bolívar 3675 – Mar del Plata 0223.095.9572 E-mail:septimofuego@ecolan.com

Un viejo sueño de los teatristas de la provincia de Buenos Aires.

Una realidad que se ha gestado y en donde están representada por regiones la casi la totalidad de las asociaciones existentes de la actividad teatral independiente de toda la provincia de Buenos Aires.

En diciembre del 2002 se conformo de hecho la Federación en la Ciudad de Buenos Aires (San Telmo). Luego continuo en Tandil, San Martín, La Plata, y Pergamino discutiendo , confrontando y acordando políticas teatrales mientras tramito la Personería Jurídica. Se hicieron presentes en algunas de estas reuniones representantes del INT y de la Comedia de la Provincia con quienes mantenemos un estrecho diálogo y discusión de la problemática teatral y de los proyectos venideros a fin de lograr acordar los destinos de los medios estatales y que estos lleguen a todos los teatristas de la provincia sin excepción.

En una oportunidad anterior, la FETIBO, fue convocada en la reunión que se llevó a cabo con el Ministro del Cultura sobre la situación del INT.


CONVOCAMOS A TODA LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES


A las Direcciones de Cultura de las Municipalidades, a todas las salas teatrales, oficiales, privadas, independientes o de colectividades , a todos los grupos, actores, técnicos, asociaciones , federaciones, gremios, centros culturales, clubs de teatro, talleres de teatro, profesores, cursos, bibliotecas teatrales, y todo lugar que tenga afinidad a la cultura teatral .

Queremos que se comuniquen con LA FEDERACIÓN a septimofuego@ecolan.com

Necesitamos fijar una politica cultural teatral acorde a las necesidades actuales y para ello debemos coordinar reuniones para realizar congresos, encuentros y seminarios

Tenemos el apoyo de la cultura tratar nuestros problemas y necesidades, para poder encontrar las soluciones.


CAMPAÑA PROVINCIAL POR LA UNIÓN TEATRAL

La Federación de Teatristas Independientes Bonaerenses (FETIBO) ha decidido enérgicamente emprender una Campaña Provincial que una a todos los teatristas se la Provincia de Buenos aires y que tengan la posibilidad de realizar sus presentaciones en circuitos de giras en todas las regiones, que definitivamente beneficiará a todos los teatristas , a la cultura y a la identidad de nuestra provincia. Nadie ignora que es la cultura la que hace a una Nación libre y soberana. Es la hora de la cultura. El teatro, históricamente fue su motor fundamental.

A tal fin la Federación de Teatristas Independientes Bonaerenses (FETIBO) ha realizado lo siguiente: Reuniones mensuales con todas las asociaciones regionales para presentación, discusión y realización de proyectos.

reuniones periódicas con presidentes de otras asociaciones, estatales, nacionales, provinciales, gremiales, privadas y ONG .

La Fetivo invita a los actores independientes, grupos teatrales, técnicos, productores, salas, centros culturales, bibliotecas culturales, asociaciones teatrales a que se comuniquen con cualquiera de las asociaciones regionales, a fin de intercambiar ideas de trabajo y trabajo mismo .


¿PARA QUÉ UNA FEDERACIÓN DE TEATRISTAS DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES?

Crear una federación en la que se reuniera a todos los "actores" del teatro independiente ha sido desde hace mucho tiempo un sueño de muchas personas, incluso hasta se han editado en el tiempo varios intentos que luego no se pudieron cristalizar a pesar del esfuerzo de muchos dirigentes. Hoy podemos decir que tenemos "nuestra federación", que es independiente de los poderes de turno en materia cultural y que desde su seno quiere aportar ideas y propuestas para que las políticas culturales tengan en cuenta de una vez por todas a todas las personas vinculadas al teatro independiente de la provincia y que además esta actividad se convierta definitivamente en un "trabajo" digno y reconocido por el estado y la sociedad en su conjunto.

Por otro lado esta federación cree desde un profundo convencimiento que la unión y la comunicación de los teatristas podrá aportar más a la calidad de nuestro arte, compartiendo nuestros escenarios y logrando acceder a los escenarios grandes, que los mega medios de comunicación vean en las salas y grupos independientes de la provincia tan buen teatro como en la capital, logrando una federalización de la información.

También y finalmente esta federación desea oponer resistencia a la atomización de nuestra sociedad en materia de participación y por supuesto esta al servicio de todos los teatristas, asociados o no a las asociaciones de base que la componen.


POR LA AUTARQUÍA

La Federación de Teatristas Independientes Bonaerenses (FETIBO) ha decidido desde un principio encarar dos proyectos , La ley Provincial de teatro y la obtención de la AUTARQUÍA para el Instituto Nacional de Teatro que definitivamente beneficiará a todos los teatristas del país, a la cultura y a la identidad de nuestra patria. Nadie ignora que es la cultura la que hace a una Nación libre y soberana. Es la hora de la cultura. El teatro, históricamente fue su motor fundamental.

En lo que respecta a la autarquía, la Federación de Teatristas Independientes Bonaerenses (FETIBO) ha realizado los siguientes trabajos : Presentación en el 2003 del Documento adjunto, de la Federación (FETIBO) al Presidente de la Nación Sr. Néstor Kirchner con solicitud de Audiencia.

Presentación en el 2003 del Documento adjunto, de la Federación (FETIBO)a la Cámara de Diputados con solicitud de Audiencia.

Presentación en el 2003 del Documento adjunto, de la Federación (FETIBO) a la Cámara de Senadores con solicitud de Audiencia.

Presentación en el 2003 del Documento, adjunto, de la Federación (FETIBO) al Director del Instituto Nacional de Teatro Sr. Raúl Brambilla. Presentación en el 2003 del Documento adjunto, de la Federación (FETIBO) y Presentación de Planilla de apoyo con firmas en el Plenario Nacional en Fiesta Nacional de Teatro, Rafaela Santa Fé. En la continuidad del Plan de Lucha la Federación.

(FETIBO) esta en el proceso de lograr una primera Asamblea Nacional con el fin de unir y sumar fuerzas en la indefectible conquista de la AUTARQUÍA.

Hemos realizado varias reuniones previas en distintos espacios la primera de ellas se realizo en Junio del 2003 en el Centro Cultural de la Cooperación - Avda. Corrientes 1543, y debatimos los caminos a seguir para el otorgamiento y la obtención de la ansiada AUTARQUÍA Prioridad Nacional, además propusimos el debate sobre otros temas y propuestas para la unificación de las acciones de todo el quehacer del teatro nacional. También se realizaron otras reuniones promovidas por la Federacion en distintas asociaciones relacionadas con la actuación


SE PRESENTO LA LEY PROVINCIAL DE TEATRO EN LA PROVINCIA DE BS AS.


Se lanzó en la Casa de la Provincia de Buenos Aires el Proyecto de Ley de Teatros Independientes . Participaron de la convocatoria los Señores, Lito CRUZ, Pacho O´ DONNEL, Juan Carlos GENE, Roberto "tito" COSSA (Argentores) Victor LAPLACE, el Diputado Provincial Juan Jose CAVALLARI y por el Teatro Independiente Nuevejuliense Luis BELLONI. (entre otros). Participaron también todas las delegaciones de la Federación que se encontraron previamente con el Actor Lito Cruz.

Cabe destacar, la incesante participación en todas las reuniones realizadas con funcionarios en la ciudad de la Plata hecha por el presidente de la Federación, Sr Barrientos, debido a que la Federación fue uno de los principales artificios en la formación de la ley. ver mas en LEY PROVINCIAL.

A T C B
Asociacion Teatro del Centro Bonaerense
Jujuy 1247 – Tandil 02293.45.3151 : martinrosso@ciudad.com.ar

A T E N O B
Asociacion Teatristas del Norte Bonaerense
Avellaneda 127 - Chacabuco 02352-42-7091 rafaelbarrientos2000@cech.com.ar

A T E P L A
Asociacion Teatristas del Plata
138 N° 558 TELEFONOS: 0221.470.8302 atepla@yahoo.com

A T S
Asociacion Teatristas Sur Bonaerense
Liniers 245 – (8170) Pigüé 02923.47.6433 teatrolazorrilla@hotmail.com

A T T R A
Asociacion Trabajadores Teatro Región Atlántica
Bolivar 3675 – Mar del Plata 0223.095.9572 septimofuego@ecolan.com

N O R T E A T R O
Teatristas del Norte Bonaerense
9 de Julio 1269 - Lujan 02323-431177 Mesper@mail.unlu.edu.ar

U T E N O R
Union Teatristas Norte
Nueva direccion

Fuente: http://www.fetibo.meti2.com.ar/

sábado, 30 de mayo de 2009

La renga en el Estadio Unico de La Plata


LA RENGA. A las 21. Estadio Ciudad de La Plata (32 y 525). Una de las bandas más convocantes del país seguirá presentando en vivo el repertorio de su último disco, Truenotierra, aunque por supuesto, también interpretará temas de su extenso cancionero. Esta será una de las últimas presentaciones de del power trío oriunda de Mataderos antes de entrar a grabar el que será su próximo disco de estudio.

Fuente: http://pdf.diariohoy.net/2009/05/30/pdf/cuerpo.pdf

jueves, 28 de mayo de 2009

GRACIELA BORGES :: Cuando la carrera se gana caminando

DE EDITORIAL MAYO 28, 2009 

Es actriz fundamental del cine nacional, y por generaciones ha dejado su marca de estrella sin purpurinas. Hace base en Palermo pero se arremanga para dar una mano donde haga falta. Y su voz, mezcla de chanson française y Sarah Vaughan, gana el aire en cada tarde de radio, en donde afloran las historias de personas que entrecruzan sus caminos para hacerlos trascendentales.

Texto: Marcelo León

Agradecimientos: Banfield Teatro Ensamble, Liliana De Ieso, Lucho Bordegaray.

“¿Por dónde entró, que no la vi llegar?” preguntaba una de las chicas de la boletería del Teatro. Tal vez esperaba un mínimo revuelo, o alguna estridencia, pero no. Graciela Borges entró caminando por la puerta de calle, una obviedad que amenaza al mito de diva que la persigue. La sala colmada esperaba por la invitada, que a la vez era también anfitriona, ya que su visita se dio en el marco del ciclo de películas que la tuvieron en roles protagónicos, y que el Teatro Ensamble presentó bajo el título de “La Musa”. “Si yo viviera acá (por Banfield), no me sacarían para ir al centro ni muerta” fue su primera consideración, piropo eficaz para una público que ya estaba en el bolsillo. Pero que no es trillado cuando lo dice su voz, ya que el entusiasmo que le despiertan las arboledas se condice que con el pregón que lleva adelante desde hace algunos años en su programa de radio, en donde cada historia contada es una búsqueda de la plenitud física y espiritual.


:: LA VIDA MÁS ALLÁ DE LAS PELÍCULAS

Comenzó a actuar de muy chica, aún con desacuerdos en el seno familiar, al punto que su padre no le permitiera que usara públicamente su apellido, Zabala, y ella entonces tuviera que adoptar, no sin gratitud profesa, el del célebre escritor, que al enterarse de la congoja de la joven, se lo prestó para que lo estrenara en Una cita con la vida, de Hugo del Carril. Habría que ver, en una eventual competencia, cuál de los dos Borges citados reúne más anécdotas. Y es que si bien el Borges compilado por Bioy Casares es portentoso, no pocas páginas demandarían las memorias de Graciela, en donde se darían cita desde Dalí y Paul McCartney, hasta Jean Cocteau, Cortázar, y casi todas las personalidades vinculadas al cine argentino de los últimos cincuenta años. “Yo recuerdo mis películas, y las épocas en general, en función a los novios que he tenido… (Risas) Cuando vuelvo a ver alguna de mis películas, inevitablemente veo a las personas que estuvieron conmigo y las situaciones que compartimos. Recuerdo si ese día estábamos contentos o con alguna diferencia… Es que hoy comprendo que lo que realmente me importa es el valor de las personas que pude conocer en el marco de la cultura”.

Multipremiada, reverenciada por trabajos como El Dependiente (Favio), Heroína (De la Torre) y Piel de Verano (Torre Nilson), y redescubierta por la nueva camada de directores, a partir de que Lucrecia Martel le insistiera para su papel en La Ciénaga, los días de sets han quedado relegados, al menos por ahora. “Desde que hice Las Manos (N. de R.: de Alejandro Doria, inspirada en la vida del Padre sanador Mario Pantaleo) me propuse no actuar en lo inmediato. Es que esa película marcó un antes y un después en mí. Es una película sanadora”. Su interpretación de Perla, la fiel asistente del sacerdote (encarnado en el film por Jorge Marrale) le ha permitido vivir satisfacciones más allá del plano profesional. “Doria, al igual que Favio, filman con amor. Y la historia de Las Manos es, ante todo, una historia de amor, capaz de sanar. Mas allá de la enfermedad, la posibilidad de compartir un camino nos reclama estar atentos a las pequeñas cosas que nos pasan. Porque nosotros también estamos de paso, y es un gesto de amor buscar el bienestar del otro”.


:: LA VIDA EN LA RADIO

“A esta altura de la vida, lo que más feliz me hace es sentarme al micrófono y hablar y escuchar de las pequeñas cosas de la vida, otorgándole al otro la dignidad de su propia expresión” admite, y la referencia es a su programa La Borges en Casa en FM La Isla, a donde llega caminando cada tarde para disfrutar de su hora al aire. “Cada mañana medito al levantarme, y eso me predispone bien. Y en el programa tenemos la oportunidad de compartir con artistas que están en labor constante, muy conocidos o poco conocidos. Hoy es necesario darnos cuenta de que somos todos iguales. No hay puntos de rating o premios que distingan. El artista debe relucir, pero no debe enceguecerse por su ego. Por eso me gusta tan poco lo que veo en la televisión. Hay artistas, y también no-artistas que confunden lo popular con lo populachero, y caen en lo soez, en lo indiscreto, en el desprecio. El mundo debería ser una enorme sábana de una sola costura. Por eso, y a todo nivel, creo que todo empieza desde la propia conciencia; es importante que cada uno pueda descubrirse igual a los demás”.
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:: IDENTIKIT

Actriz precoz

Empezó a estudiar declamación a los 7 años, y luego continuó en el teatro infantil Labarden. su debut como actriz fue a los 14 años, y no recomienda seguir sus pasos: “A los catorce años no se actuá, se juega. Y el resultado depende demasiado de la intuición. Creo que recién se tiene dominio de la palabra a los treinta años”

Bordeu, padre e hijo

A Graciela se le iluminan los ojos cuando habla de su hijo Juan Cruz. Lo acompaña en cada emprendimiento que encara, siempre vinculado con el cine y la fotografía. También cuando evoca a su padre, Juan Manuel Bordeu, el afamado corredor de autos, a quien se refiere como “el patriarca”.

Ésa tapa de Gente de los ‘90

“El increíble romance de la diva y el arquero” tituló la revista, en referencia a la relación entre la actriz y Marcos Gutiérrez, el entonces arquero de Huracán. “En su momento fue un escándalo porque se apoyó en muchos prejuicios. Pero fui fuerte para soportarlo, y hoy con Marcos mantengo una buena relación, y hasta somos compadres: soy madrina de uno de sus sobrinos, de quien él es padrino”.

Aquí y en el mundo

Fue galardonada en los Festivales de San Sebastián, La Habana, Bogotá y Cartagena. Recibió el Cóndor de Plata por su labor en La Ciénaga, y ha sido distinguida como Ciudadana Ilustre de Buenos Aires. A su vez mucha de las películas que ha protagonizado han recibido gran reconocimiento a nivel mundial, por caso la última, Las Manos, que ganó el Premio Goya.

Meditación

Hace años que sigue a guías espirituales, y es una de las pregoneras de las técnicas de meditación de la australiana Isha. “Uno tiene que buscar lo mejor para evitar ser presa del ego, que aniquila. Solo en la intimidad del corazón uno puede descubrirse a sí mismo”.
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:: FILMOGRAFÍA

El jefe, Una cita con la vida, Zafra (1958), Gringalet (1959), Fin de fiesta (1960), Los suicidios constantes (serie de TV), Piel de verano (1961), Los viciosos, Propiedad (1962), La terraza, Racconto, Una excursión a los indios ranqueles (1963), Circe, La boda (1964), Alta comedia (serie de TV), Convención de vagabundos, Orden de matar (1965), De profesión, sospechosos, El rey en Londres, Tres destinos (serie de TV), Una máscara para Ana (1966), La chica del lunes, Los traidores de San Ángel (1967), Martín Fierro (1968), El dependiente (1969), Crónica de una señora (1970), Heroína (1970) La revolución, Vení conmigo (1973), Bellísima Luciana (serie de TV) (1974), Triángulo de cuatro (1975), Sola (1976), Dulce Anastasia (TV) (1977), Saverio, el cruel (1978), El infierno tan temido (1980), Los pasajeros del jardín, Pubis angelical (1982), Fiebre amarilla (1983), Pelear por la vida (serie de TV) (1984), Pobre mariposa (1986), Kindergarten (1986), Los jinetes del alba (miniserie de TV) (1990), Más que la música (TV), Alta comedia (TV) (1991), Funes, un gran amor (1993), Son o se hacen (serie de TV) (1997), Sobre la tierra (1998), Primicias (serie de TV) (2001), La ciénaga, ¿Sabés nadar?, Infieles (miniserie de TV), Mercano, el marciano (animación – voz) (2002), Tacholas, un actor galaico porteño (2004), A cada lado, Botines (miniserie de TV), Monobloc (2005), Las manos (2006).

miércoles, 27 de mayo de 2009

Los comienzos del Teatro Antropológico: Grupo Devenir.


Lic. Gustavo Radice; Prof. Natalia Di Sarli FBA - UNLP

En 1983 asistimos a los inicios del teatro antropológico en La Plata, que si bien no estuvieron consolidados hasta finales de la década del 80, tuvieron como primera manifestación las actividades del grupo INYAJ y el grupo Devenir. Estos grupos desarrollaron una serie de espectáculos que pusieron de manifiesto esta incipiente tendencia dentro del sistema teatral platense. Estos dos grupos ponen de manifiesto una preocupación por el hombre y su cultura. Desarrollan la vinculación del hombre con su entorno cultural y como este construye, no sólo la realidad externa sino que también conforma los procesos internos de simbolización inherentes a lo humano.

En 1981 un grupo de estudiantes de la Escuela de Teatro conforma el Grupo Devenir, entre ellos se encontraba: Gustavo Vallejos, Armando Di Cocco, Edgardo Molina, Eduardo Lascano y Eduardo Di Mateo al que más tarde se le unirían Peque Valle, Cristina Demo y Elena González. Si bien los integrantes del grupo fueron variando a lo largo de su historia, Gustavo Vallejos estuvo siempre al frente del mismo, actividad que ocupa hasta el día de hoy. Entre el teatro antropológico y la tendencia artudiana, el grupo Devenir se perfiló en su trabajo hacia las búsquedas que Eugenio Barba propone sobre el trabajo del actor y las posibilidades expresivas del cuerpo.

Sus primeros trabajos se dirigieron a romper la ideación de teatro realista-mimético que durante los 70 se había conformado como bastión estético del teatro en la ciudad de La Plata. Esto es, experimentar con las diferentes posibilidades espaciales rompiendo con la “cuarta pared”; establecer un vínculo directo con el público haciéndolo participe de sus puestas. La primera puesta sobre la que trabaja el grupo en 1981 es "Hablemos a calzón quitado" de Guillermo Gentile; en 1982 "Maximiliano, 10 años después" de Renzo Casali; en 1983 "Marcha" de Alberto Adelach (con el cual integra el ciclo de Reapertura del Teatro Municipal Coliseo Podestá en 1984); 1984 "Misterio, dolor y muerte en la conquista de América" creación colectiva sobre textos de Voltaire. De 1985 es "Decime qué calzás y te diré quién sos" de Jorge Varela; 1986 "El camino de la vida" creación colectiva. Para el año 1987 "Homo" creación colectiva; 1988 "Pink, el dulce sueño" de Gustavo Vallejos y en 1989 "El cumpleaños de los ángeles" de Gustavo Vallejos.

Comprometidos con la realidad circundante, su objetivo fue la movilización del espectador a partir de una concientización basada en la elección de textualidades nacionales: “Es por eso que no buscamos autores clásicos, tradicionales (…) sino que elegimos autores nacionales. Y precisamente eso es lo que necesita el teatro. (…) De esta manera el asistente perdería su actitud pasiva. De mero receptor. Porque la intención es, que al ver la obra, lo haga reflexionar. (El Día, 21-11-1982)

Los basamentos ideológicos del grupo Devenir se sostuvieron en esta conexión constante con la “realidad social”, pero a su vez enfatizando el trabajo de experimentación del actor en cuanto a sus posibilidades sígnicas para generar una comprensión “poética” de esta realidad. Sus puestas estuvieron marcadas por esta relación. Su concepción de teatro tuvo que ver con una práctica social, en términos brechtianos; su teatro fue de índole más didáctica que formal. Es así que, establecieron una hibridación entre el teatro de origen brechtiano y los aspectos formales de la tendencia artudiana. La obra donde logró plasmar estos criterios de manera efectiva fue “Marcha”, de Alberto Adelach, en donde la búsqueda y la investigación teatral obtuvieron un alto valor significativo en relación a sus objetivos, tanto temáticos como estéticos.

En la obra se estilizaron los diferentes elementos que componen el hecho teatral, desde el trabajo corporal hasta la música cobran vital importancia para dar sentido al texto y acercarlo al momento histórico en donde se desarrollaba la puesta. En la puesta no solo se buscó integrar de manera experimental las diferentes formas sígnicas, sino que también se utilizaron para producir un fuerte impacto en el espectador en pos de su toma de posición frente a la realidad contundente. Cada puesta del Grupo Devenir estuvo contextualizada en relación a profundizar interrogantes de índole existencial, en este caso, la relación del ser y su lugar en la “realidad” social. Los lineamentos de su micropoética no fueron sólo meras búsquedas formales, detrás de cada puesta existió un proceso de reflexión e investigación teórica que sostuvo como fundamento cada producción teatral que llevaban a cabo. Cabe señalar que esta idea “pedagógica” se manifestó, no solo en el grupo Devenir, sino que estuvo en consonancia con las diferentes micropoéticas del teatro independiente platense. Si bien cada grupo buscaba su estética diferenciadora, todos propusieron esta conexión con la “realidad” como base del hecho teatral.

Dentro de las búsquedas que planteó el grupo en su siguiente puesta de 1984 - "Misterio, dolor y muerte en la conquista de América" creación colectiva sobre textos de Voltaire- se enfatizó en las posibilidades de la palabra como elemento persuasivo sumado a la inclusión del espectador en la obra. A manera de ritual (tomando como base el concepto de rito artudiano) el espectador al final de la obra toma contacto físico directo con el actor y este lo incluye en la obra. Se produce entonces un vínculo que trasciende lo físico y conecta al espectador desde un punto de vista emocional cuyo efecto es la toma de posición ante la acción dramática desarrollada en la obra.“…los dos personajes se enfrenarán a un duelo verbal impecablementeconstruido, mientras que un tercer personaje (cuya simbología bien puede ser decodificada por el espectador) creará las distancias suficientes como para que cada situación encuentre una mayor conclusión en quienes presencian la función.” (El Día, 22-4-1986)

En esta puesta el grupo Devenir logró aunar los diferentes criterios y procesos de creación del hecho teatral que caracterizó su micropoética. Con esta puesta dirigida por Gustavo Vallejos, Devenir comienza a desarrollar un teatro de tendencia antropológica, que será el inició para el desarrollo de su posterior metodología de actor cero, la cual caracterizará su producción en la década siguiente.

Bibliografía de consulta.

A.VV. Historia del Teatro Argentino en la Provincias. Volumen I. Osvaldo Pellettieri (Director)
Buenos Aires: Galerna – Instituto Nacional del Teatro. 2005.
AA.VV. Historia del Teatro Argentino en la Provincias. Volumen II. Osvaldo Pellettieri (Director).
Buenos Aires: Galerna – Instituto Nacional del Teatro. 2006.
Bourdieu, Pierre. Campo intelectual y proyecto creador, En: AA.VV. Problemas del
estructuralismo. México: Siglo XXI, 1967.
De Toro, Fernando. Semiótica Teatral. Del texto a la Puesta en Escena. Buenos Aires: Editorial
Galerna. 1987.
Dubatti, Jorge. El teatro de grupos, compañías y otras formaciones (1983 –2002). Buenos Aires: Centro Cultural de la Cooperación, 2003.
Pellettieri, Osvaldo. Cien años de teatro argentino. Buenos Aires: Galerna. 1991.
-------------------------Teatro Argentino contemporáneo (1980-1990). Crisis, transición y cambio.
Buenos Aires: Galerna. 1994.
-------------------------Una historia interrumpida. Buenos Aires: Galerna. 1997.
Fuentes primarias de consulta.
Diario El Día.


Fuente:www.fba.unlp.edu.ar

martes, 26 de mayo de 2009

Editan en DVD para Argentina el filme Habitaciones para turistas

Una película de culto para los amantes del cine de terror

26-05-2009 / La primera película de horror de la productora platense Paura Flics Habitaciones para turistas fue editada en la Argentina y desde hace unos días se encuentra disponible en DVD, después de cinco años de haber sido proyectada por primera vez en el país.

La película fue editada por la editora independiente Videofilms, que también cuenta en su catálogo con otras producciones nacionales de películas de terror. El DVD cuenta con un remasterizado de imagen y sonido obtenido en la empresa Rentero Vms, un audio comentario del director Adrián García Bogliano y su hermano Ramiro García Bogliano (coescritor del guión), además de backstage, trailers, videoclips, galería de fotos y una gran cantidad de material extra.
Según contó a Diagonales Hernán Moyano, productor ejecutivo y mentor de Paura Flic, la copia es “un material infaltable en la colección de todo fan del cine de horror”.

Sobre Videoflims, Moyano explicó que “es una editora formada hace unos pocos meses por un grupo de cineastas independientes que cansados de golpear las puertas de los encargados de distribuir cine nacional en nuestro país y ser rechazados con excusas tales como que ´no hay mercado para el cine de genero argentino´”. Y agregó: “se decidieron a llevar adelante este gran emprendimiento y para esto se aliaron con muchos de los realizadores independientes que tienen otra forma de hacer llegar su obra al público en general”.

Habitaciones... fue protagonizada por jóvenes actrices platenses y producida por –en ese entonces– estudiantes de los primeros años de la carrera de cine de La Plata. García Bogliano tenía apenas 18 años cuando comenzó la producción de la película, que costó 3.000 dólares. La filmación -en blanco y negro- se extendió por tres años y la posproducción un año más.

Desde su primera proyección, el filme cosechó elogios de parte del público y la prensa especializada, pero fue después de una crítica del diario New York Times que comenzó a ser observada por los medios argentinos y, especialmente, platenses. “Filme de efectiva atmósfera siniestra. La acción despega y en ningún momento baja su ritmo. Brinda algunos inesperados giros, los asesinos y sus victimas tienen concretas motivaciones para sus actos.

Adrián García Bogliano ha hecho un promisorio debut que de manera certera acierta en los puntos mas tenebrosos”, escribió la periodista Laura Kern en el New York Times. En su recorrida por distintos festivales ganó los premios a Mejor película, Mejor director revelación, Mejor actriz y Premio del público del Buenos Aires Rojo Sangre 2004, el Especial del Jurado del Festival de cine digital de Viña del Mar, y Golden Glibb Award en Nuremberg.

Habitaciones… es, además, una de las poquísimas películas latinas en lograr estrenarse comercialmente en cines de los Estados Unidos y a la crítica del New York Times, hay que sumarle las de New York Post y Tv Guide. Fue, también, la segunda película argentina en lograr ceder los derechos para la realización de su remake americana y es la única en haber sido proyectada por mas de 3 meses en el museo de arte contemporáneo de Londres.

En 5 años, fue exibida en Canadá, Cuba, España, Uruguay, Egipto, Alemania, Chile, Puerto Rico, México y Brasil y es forma parte de las colecciones privadas de directores como Guillermo del Toro, Paul Verhoeven, Crispin Glover y James Merendino, entre otros.

La edición de la película no significa, de todas maneras, que las copias ingresen en el mercado tradicional, sino que hay que mandar mails para conseguirla. Tanto la prodoctora Paura Flics como videofilms realizan los envíos a domicilio en todo el país, con la posibilidad de pagar en domicilio en Buenos Aires y La Plata o a través de un depósito bancario, y en el caso del resto del país contra reembolso. Además, en La Plata, la Paura Flics dispondrá de puntos de venta en el Taller de Teatro de la UNLP, los locales de Jason e Imagina.

Fuente: http://www.elargentino.com/Content.aspx?Id=42486

Reestrena obra de la Comedia Municipal


Se trata de "Buenos Aires, Hiroshima, Líbano" (ganadora del Concurso Municipal de Proyectos teatrales 2008)

El próximo jueves 28 de mayo, a las 20:00 hs en la Sala A del Pasaje Dardo Rocha, volverá a subir a escena este espectáculo producido por la Comedia Municipal de La Plata.

Las presentaciones continuarán los jueves 4, 11 y 25 de junio, también en el Pasaje, siempre con entrada gratuita.

El concurso

El pasado año, la Comedia realizó una convocatoria a directores platenses para presentar sus proyectos teatrales. El premio consistía en la financiación de la producción de la obra seleccionada. En esa ocasión fue Mariela Anastasio quien resultó ganadora, con "Buenos Aires, Hiroshima, Líbano" (un texto de su autoría). Luego se convocó a un casting, y así se eligió al actual elenco: Ana María Haramboure, Néstor Villoldo y Ernesto Meza. El diseño escenográfico fue de Valeria González, y la realización estuvo a cargo de Omar Anastasio. En el diseño sonoro, el compositor Emilio González Tapia.

La obra

“Buenos Aires, Hiroshima, Líbano” es una historia futurista. Muestra el deterioro de tres sobrevivientes que desde hace mucho tiempo conviven en el rincón de un vagón de tren en el que viajaban escapando de una feroz guerra que se había desatado en Buenos Aires, quedando varados en un pequeño pueblo llamado “Líbano”. Estos seres han perdido la noción del tiempo y parte de su memoria debido a la contaminación del aire. A veces pueden recordar algo y se angustian; otras, inventan juegos para pasar el tiempo y hay momentos en que se entusiasman con poder cambiar algo, moverse por ejemplo. Con pasión repentina ensayan experimentos para mover el tren y encontrar un lugar mejor para seguir viviendo.

Quedan todos invitados.

Fuente: El Día,martes | 26.05.2009

Buenos Aires acoge una versión de 'La casa de Bernarda Alba' sólo para espectadores desnudos

La notera Florencia Caro del programa Calles Salvajes (América TV) se desnuda completamente para hacer una entrevista en un teatro.

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21/05/2009 | Cultura

Buenos Aires. (EFE).- Un grupo de actores argentinos interpretaron este viernes 'Bernarda Alba al desnudo', una adaptación de la obra de Federico García Lorca, en una sala de Buenos Aires a la que sólo pudieron entrar espectadores que se animaron a quitarse toda la ropa.

El público podía llegar vestido al teatro Arlequino de la capital argentina, pero antes de acceder a la sala debieron pasar por una habitación donde se quitaron todas sus prendas para cumplir con la condición de desnudo obligatorio que proponían los organizadores.

La obra, interpretada por actores que en su mayoría también aparecieron desnudos, estuvo vedada para quienes incumplieron con el requisito de desvestirse. "Es que si dejamos que entren con ropa se nos llenaría la sala de curiosos", explicó José, un profesor de anatomía que evitó revelar su apellido al comentar, en declaraciones a una cadena de radio local, esta inédita propuesta que ideó junto a Guillermo, su socio en la productora Studiodos.

El "primer evento cultural nudista", tal como fue llamado por sus organizadores, pudo ser visto por un máximo de 120 espectadores, la capacidad de la sala, que sólo podían dejarse puesto el calzado "para evitar que cunda el frío" (en Argentina actualmente es otoño-invierno) aunque "hay buena calefacción", como apuntó José.

"Queremos producir quincenalmente un evento nudista", contó el creador de Studiodos, que también realiza un programa de radio para nudistas. 'Bernarda Alba al desnudo' es una adaptación de 'La casa de Bernarda Alba', la obra de Federico García Lorca, y esta dirigida por Germán Akis y Raúl Baroni.

La obra está en cartel desde hace dos años en el teatro porteño Arlequino, pero se trata de la primera vez que está destinada a público nudista. "Después de la obra va a haber un brindis y el público va a poder hablar con los actores. Es una buena oportunidad para que puedan encontrarse en un evento distinto a los típicos" para nudistas, destacó José.

Fuente: http://www.lavanguardia.es/premium/publica/publica?COMPID=53707505902&ID_PAGINA=22088&ID_FORMATO=9&turbourl=false

lunes, 25 de mayo de 2009

La cocina del teatro

25-05-2009 / Canal (á) estrena Obra en construcción, un ciclo que propone espiar cómo nacen las grandes obras.

Está bueno acercarle estos autores a gente que quizá no conoce más que de nombre a Chejov o a Shakespeare. Pero la idea es, básicamente, mostrarle a quien no la conoce, la cocina de nuestro trabajo”, explica Fabián Vena, la cara visible de Obra en construcción, el ciclo que arranca esta noche por Canal (á), una co-producción con el Teatro Nacional Cervantes.

Lluvia de ideas. Precisamente, la tradicional y majestuosa sala principal del teatro de la calle Córdoba será el marco de esta suerte de “ensayos de mesa” entre actores y directores, similares a los que se suelen hacer a modo de inicio de montaje. Es decir: una mesa sobre el escenario vacío de la sala, un director de gran trayectoria y un elenco rotativo de actores que intercambiarán conceptos sobre los que gira la obra o se buscarán los códigos fundamentales que hacen que la pieza funcione. Una discusión creativa que da lugar tanto al análisis metafísico como a la búsqueda creativa de cada director.

Detrás de escena. En cada uno de los 13 episodios se analiza una obra determinada de los autores fundantes del teatro universal. Y, a su vez, desfilarán, a su turno, varios de los más importantes directores y actores de la escena nacional.

Algunos de los textos que acercará Obra en construcción son Arlequino, de Carlo Goldoni; La vida es sueño, de Calderón de la Barca; Madre Coraje de Bertold Brecht, Babilonia de Discépolo y La gaviota de Chejov. Fue justo en esa obra donde Vena, bajo la dirección de Laura Yusssem, decidió participar desde su rol más habitual. “No me animo a decir que voy a ser conductor, le tengo mucho respeto y mucha admiración a ese rol, que requiere un nivel de responsabilidad y talento especiales. Yo soy la cara, el anfitrión, esbozo líneas en forma de copete”, comentó.

¿A qué colegas y maestros dará la bienvenida? Mauricio Kartún, Claudio Gallardou, Javier Daulte, Raúl Serrano y Villanueva Cosse, entre los directores.

“El director que hace un clásico se arriesga mucho, necesita mucha y buena información. Lo mismo el actor, requiere mucho coraje”, reconoce Vena. Como parte de este elenco destacado de actores estarán Osky Guzmán, Malena Solda, Ingrid Pellicori, Alicia Berdaxagar y Pompeyo Audivert.

Hoy a las 21, por Canal (á).

Fuente: http://www.elargentino.com/Content.aspx?Id=42506

sábado, 23 de mayo de 2009

La llegada a la Luna

GUASONES EN EL TEMPLO DEL BOX

La banda platense con más convocatoria dentro del rock and roll desembarca esta noche en el
mítico escenario porteño, cumpliendo así la premonición de su público

Fuente: http://pdf.diariohoy.net/2009/05/23/pdf/cuerpo.pdf

Agenda de Fin de Semana


Fuente: http://pdf.diariohoy.net/2009/05/23/pdf/cuerpo.pdf

Guasones - Amaneciendo (En Vivo)


Incluido en el DVD "Guasones - La banda se formó en 1992 en la ciudad de La Plata
Vivo Luna Park" Grabado en el Estadio Luna Park el 23 de Mayo de 2009.-

Fuente:  http://www.youtube.com/watch?v=pMiQwU5AwE4

Emilio Disi y Rodolfo Ranni, con La jaula de las locas en el Coliseo

Esta noche a las 21.30

23-05-2009 / La obra gira en torno a la historia de amor de una pareja gay, Jorge (Ranni) y Albino (Disi), dueños del club de travestis más famoso de Saint Tropez: La jaula de las locas. Su vida se ve convulsionada cuando el hijo de Jorge decide casarse con la hija de un importante político francés. Los actores coinciden en que esta obra es como debutar cada día.

Esta noche, a las 21.30, se presenta en el teatro Coliseo Podestá (10 entre 46 y 47) una de las mejores comedias de los últimos tiempos, La jaula de las locas. Esta versión nacional de la genial obra de Jean Poiret, encabezada por Rodolfo Ranni y Emilio Disi, causó furor en el verano en Carlos Paz. Los protagonistas hablaron con Diagonales sobre este trabajo y anticiparon algo de lo que se verá en escena.

La obra gira en torno a la historia de amor de una pareja gay, Jorge (Ranni) y Albino (Disi), dueños del club de travestis más famoso de Saint Tropez: La jaula de las locas. Su vida se ve convulsionada cuando el hijo de Jorge decide casarse con la hija de un importante político francés.

"De pronto irrumpen personajes muy conservadores y los dos son obligados a actuar de una manera inusual", explica Ranni.
–¿Cómo es el pasaje constante de lo femenino a lo masculino en una misma obra?

Rodolfo Ranni: –Eso es lo más interesante. Emilio y yo somos actores del repentismo y por ahí uno está hablando de cómo salió Boca pero entra a escena y empieza a funcionar el personaje. Y hay un momento en que el personaje empieza a funcionar solo y uno está detrás cuidando que no se desboque. Ese, realmente, es el trabajo del actor.

Emilio Disi: –Además, en cada cambio de ropa, cuando entrás hay un minuto en que la gente se empieza a reír por el vestuario. Eso te da tiempo para recomponer el personaje, tenés ese minuto en que respirás y te ponés en el personaje.

–Disi, usted hizo varios papeles femeninos, ¿que particularidad encontró en este personaje?

E.D.: –Siempre he hecho personajes de mujer como caricatura y éste no es ninguna caricatura, es en serio una mujer.

R.R.: –En realidad no es una mujer, se cree una mujer y ese también es el doble riesgo de no caer en el estereotipo.

–Pero tampoco es gay...

R.R.: –Actúa de mujer pero una mujer particular, no una mujer convencional que uno ve por la calle, entonces también es un riesgo importantísimo. De hecho Emilio está realmente maravilloso haciendo ese rol. El mío es mucho más lineal en un punto, pero el de él es muy peligroso. Por eso estamos muy atentos de que no suceda ninguna zancadilla, porque en el texto el personaje te hace ese tipo de cosas, de pronto tenés la tentación de agregar algo. Y no es así.

–¿El training que traen de la temporada en Carlos Paz, hace que el texto esté bien asentado y puedan ocuparse de otros detalles?

E.D.: –A veces, con el tiempo, donde provocaba risa una situación deja de hacerlo. Entonces lo replanteás otra vez y te das cuenta que a lo mejor le agregaste una palabra o que lo estás haciendo más rápido o más lento. Ahí, pese a estar haciendo la obra hace cinco meses, se pide un ensayo para ver qué paso con esa escena. Tenés que estar atento permanentemente, tenés que estar laburando todo el tiempo, no te podés dormir.

R.R.: –Sobre todo con la premisa que nos impusimos desde que empezamos a ensayar, que es realmente no irse del texto ni en una coma, porque creemos que ahí está el éxito de esta obra.

–Hay muchas versiones de La jaula de las locas. ¿Qué cosas la diferencian de las demás?

R.R.: –Yo creo que la seriedad con la que la hacemos, cosa que nos impusimos desde el primer ensayo. Precisamente, como hay muchas versiones y algunas no fueron realmente rigurosas con el texto, ni con la época, ni con el país donde se desarrolla la acción, de verdad quisimos diferenciarnos de eso haciéndola realmente como debe ser o, por lo menos, como nosotros creemos que debe ser la comedia: muy puntual, sin salirnos del guión.

–¿Requiere mucho esfuerzo físico esta obra?

R.R.: –Sobre todo el personaje de Emilio porque tiene muchos cambios de vestuario, yo tengo dos nada más, estoy más tranquilo en ese aspecto.

E.D.: –Pero para un actor es muy divertido. Hay dos cosas que son muy divertidas para los actores, una es el cambio de personajes, es decir hacer de mujer, de madre, de bataclana, de hombre. Y otra es la gira, hoy trabajás en un ámbito donde el escenario tiene 30 metros de ancho y al día siguiente en otro donde tiene 10 y entra la mitad de la escenografía, la hacés con micrófono inalámbrico en un lugar y en otros no entonces hay que modular distinto. Además, el que se ocupa de controlar la escenografía, las luces y el sonido es Rodolfo, que tiene que estar dos horas antes en el teatro para controlar que esté todo bien. Entonces para nosotros es como debutar todos los días, es un ejercicio actoral maravilloso. Y el trabajo tiene una carga de adrenalina extra. Te encontrás con cosas totalmente distintas. Es maravilloso.

R.R.: –No hay posibilidad de entrar en una rutina. Todos los días tienen una cosa creativa distinta relacionada con el ámbito al menos y tenés que estar muy atento a que las cosas salgan con la misma intensidad que en un escenario preparado para toda una temporada.

Fuente: http://www.elargentino.com/Content.aspx?Id=42280

Comedia circense

GRUPO ELECTROGENO presenta

Dúo de payasos que combina teatro, bailes acrobáticos y malabarismos con ridiculez y torpeza donde se filtran sus intimidades cotidianas.

Estos artistas vienen participando todos los años de las temporadas de Fiestas y Festivales de España (julio, agosto y septiembre desde 2002 hasta la actualidad), logrando instalarse en el circuito europeo y siendo en estos momentos de los preferidos de los programadores españoles. Su estilo y humor no tiene fronteras y ha cautivado a público de todas las edades

Señoras y señores.les presentamos a este vertiginoso dúo...¡¡¡con todos ustedes...!!! Palmerita, una dama atrevida y desopilante de los pies a la cabeza.

Un aplauso, además, para nuestro auténtico presentador y payaso: ¡el inefable Jeremías!

A deleitarse juntos en un espectáculo impactante y dinámico, que se nutre del público y se enriquece de lo inesperado.

¡Aviso! ¡No repita esto en su casa! ¡A partir de ahora puede ocurrir cualquier cosa!

Ficha técnico artística

Intérpretes: Fernando De La Torre, Celina Martínez Maffei
Prensa: Andrea Feiguin

CENTRO CULTURAL DEL SUR
Avda. Caseros 1750, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. En el límite entre los barrios de Barracas y Constitución.
Sábados 23 y 30 y domingos 24 y 31 de mayo 2009 - 18.00 hs

Fuente: http://www.alternativateatral.com/obra13808-comedia-circense

Guasones en Vivo en el Luna Park


TEMA: HAY MOMENTOS

El exitoso show del 23 de mayo de 2009 en el Luna Park tiene su recuerdo grabado a fuego. La banda de La Plata presentó "Guasones Vivo Luna Park", en tres formatos.

Luego de 15 años de trayectoria y después de seis discos editados, Guasones mostró un show increíble con un repertorio eléctrico y un set acústico donde se escucharon sus más grandes éxitos reversionados. Contaron con la participación de los siguientes músicos invitados: Yamil Salvador (teclados), Gonzalo Serodino (guitarra). Federico Viña (armónica), Gastón Peñalva (trompeta) y Carlos Pastrana (saxo).

El CD incluye 17 canciones que recorren la historia de la banda, desde "Guasones 2000" hasta su último disco "Esclavo". El DVD cuenta con 21 canciones, donde quedan plasmados los éxitos de la banda.

Fuente: http://www.youtube.com/watch?v=zOKIfDUmnps&feature=related

jueves, 21 de mayo de 2009

Entre el hambre y el vaciamiento cultural

Teatro Municipal Coliseo Podestá
 
El País | Chanchullos interjurisdiccionales

REALPOLITIK | 21 de mayo de 2009

Actualmente el Teatro Colón se halla en pleno proceso de autarquización, y según los anuncios del gobierno de la ciudad autónoma de Buenos Aires, la reapertura del principal teatro de la Argentina se postergará hasta 2010.

En ese marco, es interesante preguntarse qué ocurre con las actividades que, en el mientras tanto, deberían ejecutarse en aquel histórico espacio cultural. REALPOLITIK supo que por estos días, sus artistas buscan refugios en teatros alternativos, como es el caso del Teatro Municipal Coliseo Podestá de La Plata. Hasta allí, nada demasiado extraño.

Por otro lado, este medio supo que el Teatro Colón tiene asignado por el gobierno de Mauricio Macri, un presupuesto de 25 millones de pesos. En caso que ese monto de dinero no fuera utilizado al concluir el año, el mismo se perdería. Ahora bien, teniendo en cuenta que el teatro en cuestión se halla en reparación... ¿qué sucede con aquella asignación de partida?

Aquí es donde la cuestión va tomando forma. El director de Teatro Coliseo de La Plata es José Cipollone, un abogado que en sus inicios trabajaba como tarjetero, alguna vez nombrado como posible candidato a concejal del bruerismo, y reconocido en la ciudad por haber sido el dueño del extinto boliche Metrópolis. Aunque muchos critican su nula experiencia cultural, lo cierto es que su llegada al cargo obedece a un padrinazgo del secretario de Gestión Pública de la comuna, Jorge Campanaro.

Decíamos que los artistas del Teatro Colón no tienen adónde llevar sus actividades, debido al cierre temporal del mismo. También decíamos que el Teatro Colón tiene una partida presupuestaria que, en caso de no gastar, se perdería automáticamente. Terceramente, decíamos que los artistas buscan refugio en otros teatros para poder continuar con su actividad.

¿Será verdad que las autoridades del porteño Teatro Colón, con arreglos poco claros, acuerdan la derivación de suntuosas sumas de dinero con teatros como el platense Coliseo Podestá, con el objeto de que se ejecuten allí obras que no tienen cabida en aquel?

Diferente sería el caso del Teatro Argentino de La Plata, en el que por problemas económicos, infraestructurales y sindicales, están impedidos de conseguir obras o “ayudas económicas” del Teatro Colón. En esa misma línea, los artistas del Argentino no puede desempeñar su actividad ni tienen medios para llevar a cabo las obras, cuestión que muchos resuelven haciendo “trabajando a pulmón” y presentándose en teatros de alrededores como, por ejemplo, el Teatro Español de Magdalena.

Aprovechamos para hacer nuestro pequeño aporte a la cultura, difundiendo la Función de Gala en alusión al 25 de Mayo en el Teatro Español de Magdalena, el sábado 23 de mayo próximo, a las 19.00. Allí se efectuará un concierto coral de niños, donde se presentará el Coro de Niños del Teatro Argentino de La Plata.

Alimentemos la cultura, que tiene hambre y no tiene ni una hogaza de pan...

Fuente:  http://www.realpolitik.com.ar/nota.asp?id=842

Il Trovatore en el argentino

21-05-2009 / La protagonista Haydée Dabusti se pone en la piel de Leonora en la ópera de Giuseppe Verdi

La ópera Il Trovatore se presentará durante todo el fin de semana en el Teatro Argentino (51 entre 9 y 10, Sala Alberto Ginastera). Esta pieza, con música de Giuseppe Verdi y libreto de Salvatore Cammarano, basada en la tragedia española homónima de Antonio García Gutiérrez, subirá a escena hoy y mañana a las 20.30 y el domingo a las 17.

Haydée Dabusti se pondrá en la piel de Leonora, a quien ella define como "una mujer muy soñadora, muy noble, muy sentimental, pero a su vez, con muchas agallas, porque se las juega por su amor, llega a envenenarse y pierde la vida, así que al final es una heroína".

La carrera de esta cantante comenzó, según sus palabras, como "una historia típica del bel canto: empecé a estudiar en el Instituto superior de Arte del Teatro Colón en mi juventud y luego, al quedar viuda en primeras nupcias, a los 24, dejé de cantar por 16 años". Se casó por segunda vez y su esposo ("un amante de la música") le repetía que debía volver a cantar. Otra persona que le insistió para que retomara la carrera fue su primo, el sacerdote José Dabusti, "así que desde esa fecha (2002), hasta ahora, empecé a perfeccionarme nuevamente, porque esto es como un gimnasio, tenés que estar todos los días trabajando, mejorando la técnica y la voz. Así que empecé a dar audiciones y no paré. Y a este papel llegué audicionando, como cualquier cristiano".

La de Il Trovatore es una historia de trágicas e intensas pasiones: "Pasiones por el amor de Leonora hacia Manrico y también por el amor de Manrico y el Conde hacia ella. Esos dos hermanos no se conocen (Manrico y el Conde), pero se odian por el amor a Leonora. Y el Conde descubre, tarde, que Manrico es su hermano, cuando ya lo manda a matar. Los dos se enamoraron de la misma mujer, pero ella ama a uno solo: a Manrico, el trovador. Y como se decide por él, se genera el odio entre ellos, porque además son opuestos en política", cuenta la protagonista.

–Si no fuera intérprete, ¿qué le atraparía de esta obra?

–Como público, me atraparía la música, que es maravillosa desde el primer compás que suena en percusión hasta el final con las campanas y el órgano. Todo me atrapa, no hay desperdicio en esta ópera. La música es un bálsamo para el alma. Y todo el mundo debería escuchar no sólo ópera, sino música en general, como para tranquilizarse un poco y salir de todo este barullo que nos rodea y por lo menos vivir, por un momento, una historia, porque la ópera es teatro cantado y el público tiene que sentirse como si estuviera adentro del escenario. Eso es lo que nosotros debemos transmitir a la audiencia. Por eso recomiendo que vengan todos, a los que les gusta la ópera y a los que no.

Giuseppe Verdi comenzó a trabajar, junto al libretista Salvatore Cammarano, en la adaptación de El trovador, del español Antonio García Gutiérrez, un drama romántico que transcurre durante la guerra civil española del siglo XV. La inesperada muerte del libretista, en 1852, provocó retrasos que fueron superados mediante la intervención del poeta napolitano Emmanuele Bardare, quien concluyó lo que Cammarano había iniciado. De esta manera, Il trovatore pudo ser estrenada el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apolo de Roma, y a partir de allí comenzó su recorrida triunfal por las salas más importantes del mundo. En esta oportunidad, Carlos Vieu será el encargado de la dirección musical y Marcelo Perusso de la régie, escenografía e iluminación.

Haydée Dabusti califica de "maravillosa" a la escena que transcurre en el segundo acto, "cuando le están cantando a los muertos que cayeron en la batalla, esa batalla en la que se han enfrentado el Conde de Luna y Manrico, y en la que ha salido perdedor este último, por eso está preso con Azucena".

–¿Que se siente volver a cantar?

–Volver a vivir. Pero ponelo así: volver a vivir.

Fuente: http://www.elargentino.com/Content.aspx?Id=42122

domingo, 17 de mayo de 2009

Nélida Lobato, una vedette como ya no hay



Domingo 17 de mayo de 2009 | Publicado en edición impresa

Entrelíneas


Por Pablo Sirvén | LA NACION



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 NELIDA LOBATO en MI VIDA ES BAILAR

Era de la época donde un busto era un busto, y no un grosero relleno de siliconas a punto de explotar, y la belleza, un don natural que a ningún bisturí se le ocurría mejorar (o empeorar).

Pertenecía a un tiempo donde la vedette representaba un enigma sutil, una suerte de metáfora encarnada del erotismo y del deseo; inquietantemente cerca pero, al mismo tiempo, siempre inalcanzable. Distancia y sensualidad (términos en apariencia tan incompatibles) se sintetizaban en esos cuerpos monumentales y silentes que bajaban imponentes y emplumados desde lo alto de una escalinata, con la mirada al frente, altivas y gloriosas.

Antes de que la televisión le asestara una cuchillada artera al género, dejando en evidencia muchos de sus eficaces trucos, Carlos A. Petit, el gran empresario de la revista porteña, imponía sus férreas estrategias para que esa ilusión no se evaporara: la vedette no podía prodigarse fuera del escenario ni dar notas y debía hacer de su vida privada casi un secreto. El misterio tenía que ser tan poderoso como para que quien quisiera asomarse a él no le quedara otro camino que acercarse hasta el teatro.

* * *

Por su tempranísima muerte -culpa del cáncer, a los 47 años, en plena Guerra de las Malvinas; el sábado 9 se cumplieron 27 años de su desaparición-, Nélida Lobato potencia toda esa mágica atmósfera perdida, hoy tan mancillada en los oprobiosos altares de los programas de chimentos más rastreros y en los precarios certámenes de baile televisados y reciclados hasta el hartazgo en virtual cadena nacional.

Es una muy buena idea que el Ministerio de Cultura de la Ciudad se haya animado a hacerle un gran homenaje a la Lobato en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930). Pasado mañana, a las 19, en la sala 6, será la inauguración oficial de una muestra que durante quince días, con entrada libre y gratuita (lunes a viernes, de 14 a 21; sábados y domingos, de 10 a 21), procurará mostrar algunas de sus desperdigadas pertenencias y expondrá muchísimas fotos y videos de sus actuaciones, a los que se sumarán testimonios y entrevistas de grandes referentes del espectáculo argentino.

* * *

Haydée Nélida Menta nació en Buenos Aires el 19 de junio de 1934. Debe su apellido artístico, que la acompañó hasta el día de su muerte -a pesar de que se había separado muchísimo antes y terminó sus días junto a Víctor Laplace-, a su gran mentor, Eber Lobato, quien pulió y cinceló su increíble potencial coreográfico y la convirtió en una verdadera estrella.

El encuentro con el hombre que cambiaría su vida para siempre fue en Chile donde Nélida había sido contratada por Buddy Day para trabajar en la boite Bim Bam Bum. Luego se forjó con gran disciplina en Las Vegas, a tal punto que la fueron a buscar del Lido de París, que la contrató como primera figura entre 1964 y 1969, donde fue reverenciada por el jet set europeo. Sin embargo, la Lobato nunca consideró que su formación se había completado y batalló obsesivamente por seguir perfeccionándose casi hasta su último aliento.

"Fue producto de un esfuerzo y rigurosidad constantes -apunta Jorge Lafauci, director periodístico de la exposición sobre ella que está a punto de abrir-: cuenta en uno de los testimonios el bailarín Enrique Ibarreta, que formaba parte de la compañía en el Lido de París, que Lobato había tomado clases con profesores muy importantes en EE.UU. y Europa, entre ellos de la escuela de Marta Grahan y de Katharine Duhan. Vuelta a la Argentina, casi una década después de partir, siguió estudiando hasta que la enfermedad le impidió concurrir, con Noemí Coelho y Rodolfo Olguín. Ninguna de las vedettes que vino después y llegó tan alto, fue tan perfeccionista como ella".

También intentó un lugar de mayor dignidad para que la vedette no siguiera siendo sobre el escenario pasto tan fácil de los chistes más burdos del capocómico de turno y, en cuanto pudo, jugó audazmente a buscar apoyos en referentes de otro tipo de teatro, entonces más vanguardistas y jugados, como Enrique Pinti, Lía Jelín, Claudio Segovia o Jorge Schussheim, hasta saltar al género del music hall y convencer a Alejandro Romay de que comprara los derechos de Chicago y lo produjera en el teatro Nacional, en 1977, junto a Ambar La Fox, un éxito que duró un año en cartel.

Bailó Piazzolla en la película Argentinísima , hizo de sí misma en el primer capítulo de Rolando Rivas, taxista y hasta reemplazó a Mirtha Legrand en los almuerzos televisivos cuando Romay se peleó con aquélla. Infatigable, en medio de dolores, trabajó hasta pocas semanas antes de morir en La mariposa , junto a Tato Bores, en el Maipo, con libros del propio Tato, Juan Carlos Mesa y Claudio Segovia, y hasta se ilusionaba con que Norma Aleandro la dirigiera en Sweet Charity .

Los más jóvenes podrán comprobar por sí mismos, si consultan algunos videos colgados en YouTube, protagonizados por la Lobato, las abismales diferencias entre ella y las que vinieron después.

* * *

Es que resulta una gran paradoja que el ejemplo de Nélida Lobato no haya cundido entre sus actuales herederas que porfían en hacer todo lo contrario.

El lugar de la vedette ya hace tiempo ha sido copado por chicas que se volvieron famosas, de la noche a la mañana, por no hacer nada en reality shows o por otras que trascendieron por vomitar fuego en programas de chimentos o protagonizar irrelevantes escándalos reales o inventados.

Recauchutadas (en algunos casos monstruosamente) en caras, pechos, glúteos y munidas de lenguas que hacen ruborizar hasta el más tosco de los carreros, que ni saben bailar ni cantar, son más bien patéticos payasitos sexuales antes que señoras vedettes.

Son muy pocas las que se preparan a conciencia y exhiben alguna destreza comprobable a simple vista, pero aun esas pocas -Laura Fidalgo, María Eugenia Ritó, Ximena Capristo, Valeria Archimó y alguna más- no logran sustraerse del todo del chiquero mediático y están a años luz de encarnar la magia y la leyenda, que cortaba la respiración, de la gran Nélida Lobato. 

sábado, 16 de mayo de 2009

Noche de sábado en Capital



EL MATO ABRIRA EL SHOW DE BABASONICOS

La banda platense más reconocida por la prensa nacional y fenómeno de culto en todo el país tocará hoy en el club Ciudad de Buenos Aires, invitada por Adrián Dárgelos y compañía para la presentación de su nuevo disco

Fuente: http://pdf.diariohoy.net/2009/05/16/pdf/cuerpo.pdf

¿Dónde estás, corazón? llega a La Nonna

16-05-2009 / Las dos Marta, Albertini y Albanese, y Coni Vera hacen humor para divertirse en pareja. Marta Albanese, es también la protagonista de Como sola, el unipersonal que el año pasado la trajo a la ciudad de las diagonales a este mismo escenario.

Luego de ocho años de presentaciones, sube al teatro La Nonna (3 y 47) ¿Dónde estás, corazón?, con idea y actuación de Marta Albanese, Coni Vera y la nueva incorporación de Marta Albertini, bajo la dirección de María Rosa Gallo.

"¿Dónde estás, corazón? es una pieza humorística que nació con Historias de amor y desamor, en Radio Rivadavia, donde estuve trabajando más de 15 años y ahora volví al aire los domingos a las 22. La radio, en ese horario, es un lugar proclive a la confesión. Todas esas historias contadas en la noche, donde la gente se manda, dieron origen a este espectáculo que yo misma escribí", dice Marta Albanese, la también protagonista de Como sola, el unipersonal que el año pasado la trajo a la ciudad de las diagonales a este mismo escenario.

–¿Cómo se dio la incorporación de Marta Albertini?

Marta Albanese: –La convocamos a ella para que se uniera al elenco, pero no hubiésemos llamado a otra persona, compartimos un compromiso ideológico. Buscamos gente que comparta nuestra idea de poder llegar a todos lados sin importar el lugar o la cantidad de público que presencie el espectáculo. Hicimos giras desde Ushuaia hasta La Quiaca, de forma precaria, no convencional y nos llamaron desde muchos lugares. No me sentiría a gusto con un actor que necesita de muchos espectadores para hacer todo a full porque sino lo hace a media máquina. Como dijo Serrat, "entre esos tipos y yo hay algo personal", y prefiero evitarlos. Se renueva porque el contexto cambia, son historias vivas donde la realidad nos toca.

–¿Cuál es la trama de la historia?

Marta Albertini: –Son historias de hombres y mujeres, que se casaron, se divorciaron y están tramitando la mitad de la vida, que nunca se sabe dónde o cuándo te agarra. No es tu primer amor, pero todavía estás en carrera y pensás que lo mejor aún está por venir. A pesar de ser más grande porque tenés hijos adolescentes, o porque te quedaste sola, todavía estás en carrera. Es para la gente que cree que a cualquier edad todavía puede encontrarse con alguien, siempre con el humor de por medio.

M.Albertini: –La temática principal es el amor, sobre lo que todo gira. Cuando empezamos a hablar en la obra, pareciera que lo mismo ocurre a los 20, 30 o 50 años. El amor siempre ocurre, o el estar esperando que eso ocurra, es la idea de todos los seres humanos, esperar a que pase.

–¿Cuáles son los personajes más atrayentes?

M.Albanese: –Está la mina que es competitiva o la que está permanentemente esperando que un tipo la llame para que le salve la vida. La otra que dicta un curso para saber cómo vivir sin hombres. A la que los hijos que la perturban o a la que ven como la madre sin sexo. La temática de la competencia entre las hijas mujeres y la madre. Todo contado desde el humor.
M.Albertini: –Cuando fui a ver el espectáculo, me divertí muchísimo. Un humor muy fino, para nada burdo. Es para que se también se diviertan las parejas. Yo interactúo con ellas como yo misma, pero también interpreto distintas mujeres: la que se cree que alguien está enamorado de ella cuando en realidad no lo está, como le sucede a muchas mujeres, o las que se inventan el amor. La situación de la mujer abandonada, diferentes situaciones. Y lo que es muy atrayente es la interacción con el público, nunca personalizada, sino en forma general, que participe el que lo desee.

–¿Ahora retomaron las funciones?

Coni Vera: –Sí, después de un tiempo, volvimos a las tablas. Y fue idea mía que Marta debutara acá en La Plata, en mi ciudad, donde tengo afectos, amigos, donde estudié la secundaria y además una ciudad que me encanta. Y donde el público siempre nos trata bárbaro.

–¿Usted había venido a la ciudad a actuar?

C.V.: –Yo estuve en La Plata actuando con una comedia, con Dos para una mentira. Y el año pasado estuve haciendo Boquitas Pintadas, de Manuel Puig. Pero me encantó la propuesta de hacer este maravilloso espectáculo, así que, acá estoy, de nuevo en esta ciudad.

Fuente: http://www.elargentino.com/Content.aspx?Id=41280

Teatro platense viaja a Ecuador

El Grupo de Teatro Topográfico otra vez invitado a un festival internacional

La Compañía de teatro platense, viajará nuevamente por Latinoamérica. En esta ocasión a Guayaquil, para presentar en el "1º Festival de Teatro Guayaquil Vive Teatro", su espectáculo: "La Princesa Rana", que ha sido seleccionado para participar de este evento, que se llevará a cabo en Agosto de 2009.

El pasado año, esta misma obra también había sido invitada al "Entepola Vila Velha Brasil 2008" (un encuentro de teatro popular latinoamericano que reunió a elencos de distintas partes de Brasil y que contó con la presencia de compañías internacionales de Venezuela, Ecuador y Argentina).

Y el grupo, con otras propuestas fue también elegido para presentarse en Colombia, Perú y El Salvador (además de estrenar coproducción este año con Venezuela, en Maracaibo).

La obra que viajará en esta oportunidad es "La Princesa Rana", un espectáculo para público infantil (basado en el cuento popular ruso de nombre homónimo) escrito y dirigido por Mariela Anastasio, con actuaciones de Noelia Balbo, Mariana Paccotti, Ernesto Meza y Pablo Chanquet.

En la asistencia de dirección, María Rodriguez; con escenografía de Omar Anastasio.

Antes de partir, la compañía realizará presentaciones en la ciudad y en el interior de la provincia, con el objetivo de recaudar fondos para costear el viaje. Asimismo solicita el apoyo de las entidades de cultura estatales para poder concretar dicho proyecto, y poder representarnos una vez más en escenarios extranjeros.


Fuente: El Día, sábado | 16.05.2009

viernes, 15 de mayo de 2009

Agenda de Fin de Semana


Fuente: http://pdf.diariohoy.net/2009/05/15/pdf/cuerpo.pdf

NO MORIRE SOLA (2008), de Adrián García Bogliano.


Por los créditos pude adivinar que era una película argentina, de una productora independiente nombrada Paura Flics, pero fuera de eso tampoco los realizadores de “No moriré sola” fueron muy pródigos a la hora de conceder anticipos. Más bien se toman su tiempo para dejarnos ver en las primeras secuencias a cuatro chicas que viajan en un coche, de regreso a su pueblo tras concluir el curso escolar. Van hablando temas comunes (algunos se me pierden porque esta cinta tampoco se salva de la recomendación que otras veces he hecho: subtitular el cine latinoamericano, toda vez que hay parlamentos que en boca de los uruguayos no se entienden en La Habana, y mil cosas que decimos los cubanos para un mexicano emulan con el japonés).

Pero “No moriré sola” no es una película de parlamentos, sino de atmósferas. Si uno no se ha leído publicidad previa o algo así, tarda una media hora en descubrir que se trata del polémico género de “violación y venganza”, pues estas chicas se meterán en gravísimos problemas cuando tropiecen con un grupo de cazadores (digamos mejor depredadores) furtivos.

Mientras llega ese momento de brutalidad explícita y extrema, los realizadores se han encargado de ir creando un clima enrarecido, en el cual los ambientes anodinos (un pueblo sin encantos excesivos, una banda sonora que resalta los bucólicos ruidos campestres, lugareños que responden con absoluta naturalidad a las preguntas de orientación de las chicas) casi nos hace pensar en aquel Trapero de “El bonaerense”. Entre ese prólogo minimalista, y el aquelarre que más tarde vendrá, hay diferencias bastante notables, pero en ambas zonas, el realizador muestra un dominio casi insuperable.

Para mí queda claro que esta película no gustará a aquellos que prefieren el refinamiento de la representación a la hora de describir en pantalla la violencia humana. Hablo de esos espectadores ilustrados para los cuales lo canónico podría estar en el modo que un Bergman utiliza la agresión sexual en “La fuente de la virgen”, como un pretexto metafísico que le permite insertar interrogantes de naturaleza ética. O hablo incluso de ese otro público, más bien común, que consume altas dosis de las propuestas más violentas de Hollywood, pero siempre que esa violencia se proteja con la coartada del “espectáculo”. En el caso de estos últimos, viene a mi mente el incisivo enjuiciamiento de un Bretch cuando menciona a los que “quieren comer la ternera pero no ver la sangre”. A los que “se contentarán con que el carnicero se lave las manos antes de servirle la carne”.

“No moriré sola” deja a un lado todo tipo de retórica moralizante. Como en “Funny Games”, habla del Mal como si se tratara de esa geografía que todos los días tenemos delante de nuestros ojos, si bien preferimos disimular tras el neón y las buenas costumbres burguesas. Apela al género, a las acciones que recuerdan otras películas igual de brutales (de vez en cuando llegan los ecos de “Deliverance”, o de “La última casa a la izquierda”), mas su efectividad descansa en una narración que consigue combinar lo explícito con lo sugerente.

La película me incomodó tanto como el “Irreversible” de Gaspar Noé. No se trata de unas de esas cintas gore donde un chiflado va desmembrando a cuanto personaje más o menos cuerdo aparece en la trama (aunque algo de eso también hay). Aquí el efecto es más perturbador, más duradero: pese a las situaciones límites, a la espiral de violencia que lo va congestionando todo (con un desenlace de veras escalofriante), los realizadores se las han agenciado para concederle al filme un toque tal de verosimilitud, que unos pensarán que hay regodeo en la agresión, y otros en el desquite. En cualquiera de los dos casos, el espectador se sentirá incómodo: parece que somos nosotros (hasta cuando rechazamos lo que vemos) quienes le concedemos sentido a la perversión, lo cual es una especie de transferencia de cargos que exime de responsabilidad a los realizadores.

Aún así, puedo ver la película sin que su grafismo me haga sentir culpable, justo por saber que se trata solo de una película: en cambio, la vida no lo es, y aprendemos a tolerarla, con sus engañosas luces de neón y sus insoportables pesadillas. A diario pasamos por alto cientos de crímenes, pues como ya dijo alguien: vamos al cine para gritar de miedo, y de vuelta a la realidad, poder dormir tranquilos en las madrugadas.

Esto fue lo que me hizo pensar que al final M había conseguido sacarme durante hora y media del claustrofóbico universo donde vivo. Estuve a punto de agradecerle, cuando recordé que Adrián García Bogliano, el director, había sido el coguionista de aquel corto filmado en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de lo Baños (Cuba) por Ramiro García Bogliano: “Policlínico miserable” (1998).

De todas formas “No moriré sola” me remitía al cine realizado en la isla. No way out: sigo siendo un tipo triplemente insular.

Juan Antonio García Borrer

Fuente. http://cinecubanolapupilainsomne.wordpress.com/2009/05/15/no-morire-sola-2008-de-adrian-garcaa-bogliano/