sábado, 31 de agosto de 2013

Julieta Díaz: La mujer del momento

Sábado 31 de agosto de 2013 | Publicado en edición impresa

Protagonista de Corazón de León y Los locos Addams, la actriz indaga en los placeres de la actuación y de ser siempre otra

Por Natalia Trzenko  | LA NACION

Julieta Díaz y un año cargado de trabajo Foto: Marcelo Gómez 

"Mis personajes son muy diferentes entre sí. Es lo que me divierte: jugar a ser otra persona. No me divierte hacer de mí", dice Julieta Díaz y el comentario sirve para confirmar lo que ya sospechaban quienes la conocen por sus personajes, siempre distintos entre sí, en TV, en teatro y en cine. Por estos días, allí, en la pantalla grande, la actriz es Ivana, abogada de treinta y pico, una mujer divorciada que un buen día -o en realidad una noche después de un día no especialmente bueno- conoce a León, un pequeño gran hombre que lo tiene todo para hacerla feliz, salvo estatura. La película, Corazón de León , dirigida por Marcos Carnevale y con Guillermo Francella como el señor de los sueños altos y el físico de 1,36 metros, está primera en la taquilla, lleva más de 800 mil espectadores en sus dos semanas en cartel y es ya la segunda comedia exitosa en poco más de un año que tiene a Díaz jugando a ser otra. En Dos más dos, fue la esposa del personaje de Adrián Suar, una mujer en busca de algo distinto para su largo matrimonio; había sido la Eva antes de Evita de Juan y Eva, el film de Paula de Luque, y ahora también es, más allá de la pantalla, la bella y gótica Morticia en la comedia musical Los locos Addams .

Aunque ella asegure que no hay nada demasiado calculado en su carrera, no es nueva esta fijación de Díaz por la novedad, por no repetir la fórmula. Ya desde el comienzo de su camino profesional, cuando hacía pequeñas participaciones en programas de Pol-ka -de Verdad-Consecuencia a Carola Casini y de allí a Gasoleros, hasta llegar a los papeles más grandes en Campeones, Ilusiones, 099 Central y Soy gitano- , todos mostraban siempre algo diferente, un cambio, nunca la misma persona y, sin embargo, todas eran ella. La que se entusiasma tanto con lo que cuenta que habla rápido, volando de una anécdota a otra, pero vocalizando claro, clarísimo, dónde otros elevarían la voz o se atropellarían con su propia pasión por decir lo que quieren decir.

"Cuando Marcos me habló de la historia me encantó. La idea de una comedia romántica con un protagonista que mide 1,36 metros me pareció algo raro, obvio, pero me sedujo. Aunque sabía que era difícil, que era una línea muy finita y que se podía caer en el ridículo. Pero lo conozco a Marcos, trabajé mucho con él y estaba segura de que no se iba a ir para ese lado. La gran incógnita era si se podía hacer bien el truco de la altura. Me preocupaba, pero me aseguró que si no quedaba bien, si quedaba trucho, no lo hacía. «Ya lo probé, ya lo achiqué a Guillermo y queda buenísimo», me dijo", recuerda Díaz con humor. Claro que, pasado el escollo técnico, quedaba por resolver cómo interpretar a esa mujer que debe lidiar con los prejuicios propios y ajenos, con un afuera tan revolucionado por la relación como sus propias emociones.

"Me concentré en lo que le pasaba a Ivana y en contarlo con la mayor cantidad de verdad posible. Me concentré en el cómo más que en el qué. A veces los actores nos preguntamos: « Y ¿cómo habla Ivana, cómo camina?» En general está buenísimo ese trabajo, pero en este caso era tan potente su historia de amor que, para mí, lo más importante era qué le pasaba a Ivana con eso. Y que el público entendiera y se identificara con ella", dice la actriz, que ya parecía una experta en esto de ser el punto de referencia, la que pone el alma en medio de la locura y la comedia. Antes, en Dos más dos , era la que se animaba primero, la que encarnaba el tabú del tabú y le ponía sentimientos al sexo entre amigos. Y acá lo hace otra vez: ella representa al público, es la que nos hace preguntarnos qué haría uno en su lugar. Enano sí o enano no. Ella está ahí para enfrentar al espectador con sus prejuicios y sus limitaciones; para cuestionar la apertura mental y las buenas intenciones frente a la realidad de elegir compartir la vida con alguien distinto. Y algo de eso sabe también el otro personaje que la ocupa por estos días: la bellamente tenebrosa Morticia Addams. Otra novedad para Díaz que, jura y perjura, jamás se imaginó como actriz de musical.

"Cuando me llamaron pensé que se habían equivocado. Es que yo estudio canto y estudié flamenco, pero no soy ni baila ora ni cantante. Pero me dijeron: «Esto no es Chicago . No necesitamos una bailarina y una cantante que actúe, necesitamos una actriz que cante y baile». Les pedí que me mandaran las partituras de las canciones de Morticia para que las viera mi profesora de canto, Katie Viqueira, porque si ella me decía que las podía hacer, me animaba a la audición. Si no, no. Y recién cuando me dio el visto bueno me puse a prepararme y mientras lo hacía cada vez me entusiasmaba más. Vi cosas en YouTube de la versión de Broadway y para cuando llegó el día de la prueba, la quería hacer. Pero no pensé que iba a quedar", dice la actriz, que una vez elegida empezó un período de intensos ensayos, "dos meses, diez horas por día, de lunes a sábado". Un entrenamiento intenso que la ayudó a disfrutar de cada función en el Teatro Ópera, un lugar con capacidad para más de dos mil espectadores que adoran ver a los excéntricos Addams encabezados por Díaz y Gabriel Goity en vivo y en directo. Un ejercicio teatral que para su protagonista es tan enriquecedor como agotador. "Es muy fuerte la respuesta del público, son dos mil personas que se ríen, que disfrutan con lo que hacemos. Y yo me divierto mucho. A pesar de que los días de función doble son bravos, cansadores", dice con una sonrisa resignada porque sabe que el cansancio es parte del juego. "Cuando hacés una tira el cansancio es más mental porque tenés treinta escenas por día, te tenés que acordar de la continuidad, de la letra, estás encerrado en un estudio, pero los dos son laburos muy placenteros. Mínimamente tenés que cansarte, si no ya sería demasiado, demasiado a favor. Lo único que falta es que no me cansara." Y el comentario anticipa lo que vendrá: un 2014 en el que probablemente la energía esté puesta en la TV, más precisamente en una tira diaria.

"Cuando me preguntan qué quiero hacer, cine, teatro o televisión, me resulta muy difícil contestar porque en general me entusiasman los proyectos más que el medio dónde se realicen. Si me ofrecen una obra de teatro que está buena, una película que está buena y una tira que está buenísima y, a lo mejor, hago la tira. Ahora hay menos prejuicios con esos cruces entre los tres medios, pero de todos modos yo no me considero una actriz de televisión. Sé que hice mucha TV y que me hice conocida ahí, pero no me considero una actriz de televisión. Yo soy actriz y punto. Actriz de las tres cosas", concluye Díaz contundente, clara y fuerte, parecida, pero no igual -nunca igual-, a las mujeres a las que se divierte interpretando.

SUS PERSONAJES MÁS RECIENTES

Ivana Cornejo:
en Corazón de León, interpreta a esta abogada divorciada que se enamora de un hombre perfecto para ella. Salvo por el hecho de que mide 1,36 metros
Morticia Addams:
una versión aporteñada pero igual de sexy, oscura y graciosa del personaje que nació en la TV, pasó por el cine y ahora se puede ver en el musical de Los Locos Addams
Emilia:
su personaje en Dos más dos ponía en marcha el conflicto cuando le proponía a su marido empezar una aventura swinger con una pareja de amigos cada vez más íntimos
Eva Duarte:
en Juan y Eva encarnó a la mujer antes del mito, a la joven actriz que se enamora de un coronel del ejército, cuyas ambiciones políticas no empañan la relación que empiezan a construir

Borrando fronteras: Encuentro Latinoamericano de Teatro Independiente

SÁBADO, 31 DE AGOSTO DE 2013

TEATRO › ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE TEATRO INDEPENDIENTE

La autogestión y el espíritu de confraternidad latinoamericana animan este encuentro teatral motorizado por el grupo UmaMinga. Desde el próximo martes y en distintos escenarios porteños, grupos y artistas de diversos países de la región darán cuenta de una nueva mirada cultural que tiene que ver, según los organizadores, con “un cambio político en el continente”.

Por Sebastián Ackerman

Desde el próximo martes y hasta el sábado 7 de septiembre, la segunda edición de este encuentro redoblará la apuesta del año pasado: habrá más obras, talleres, charlas-debate y conferencias. Se presentarán grupos y elencos de Argentina, Ecuador, Bolivia y Perú.

“El año pasado surgió una idea muy nuestra, chiquita, casi una sensación de utopía de juntarnos y traer a la gente que conocimos en viajes, festivales y talleres que hicimos por Latinoamérica. Lo del año pasado se nos fue de las manos a nivel emocional, de recepción... a todo nivel”, recuerdan junto a Página/12 Florencia Suárez Bignoli y Maite Velo, integrantes junto a Verónica López Olivera, Gabriela Julis e Ignacio Masjuan del grupo UmaMinga, sobre la primera edición del Encuentro Latinoamericano de Teatro Independiente (ELTI). Ese desborde fue lo que las impulsó para organizar desde el próximo martes y hasta el sábado la segunda edición, con más obras, talleres, charlas-debate y conferencias, proyectando a futuro que se instale la idea de que “en septiembre está el ELTI”. “El arte, en un punto, es algo que se hace desde la pasión, y la autogestión requiere mucho esfuerzo. Si no encontramos el deseo, es muy difícil llevarlo a cabo”, explican, y cuentan que están dedicándose al encuentro full time desde abril.

En esta segunda edición las sedes serán el teatro Andamio ’90 (Paraná 660), La Carpintería (Jean Jaures 858) y el Galpón de Catalinas (Benito Pérez Galdós 93), donde se presentarán elencos y artistas de Argentina (Chumba Percusión, Teatro Llanura –de Santa Fe–, Grupo Catalinas, Grupo Arpan), de Ecuador (Muégano Teatro), Bolivia (Maque Pereyra) y Perú (Grupo Cultural Yuyachkani). Esta “mirada latinoamericana” del teatro, analiza Suárez Bignoli, tiene que ver con un cambio político en el continente: si antes desde Buenos Aires se intentaba imitar las modas europeas, desde hace algunos años se intenta construir y consolidar una identidad latinoamericana: “Estamos viviendo un momento especial, y creemos que por eso tuvo la recepción que tuvo. Nosotras hablamos de una identidad latinoamericana, de borrar fronteras, de reconocernos como artistas con diferentes formaciones... Encontrarnos en un mismo tiempo y espacio, acá en Buenos Aires es posibilitar y reforzar la unión latinoamericana”, apuesta.

El año pasado, además de argentinos, se presentaron elencos de Brasil, Chile, Colombia y Perú. Con los invitados de este año, las organizadoras se van acercando a un panorama general de producciones de toda América del Sur, en donde pueden rastrearse similitudes y diferencias en la forma de narrar, de representar historias que muchas veces son compartidas. “De algunos viajes vimos que también había un montón de similitudes con formas de hacer teatro, o de contar, con Argentina. Pero está bueno que puedan contarse esas cosas desde un lugar diferente del nuestro”, rescata Velo, y amplía: “No hay tantos espacios para cuestionarse el hacer en teatro. Tiene que ver con la manera que tenemos de vivir espacios como este encuentro: freno, reflexiono y avanzo. Con mis diferencias, con mis virtudes, con lo que me llevo de la propuesta que traen los elencos de los países que nos acompañan. ¡Los brasileños nos siguen diciendo que en el 2014 vuelven! Y les tenemos que decir que no sabemos qué va a pasar el año que viene”, confiesa.

Florencia Suárez Bignoli, Maite Velo, Verónica López Olivera y Gabriela Julis junto al actor Mariano Falcón.Imagen: Joaquín Salguero.

–Ustedes hablan de “borrar fronteras” con el ELTI. ¿Cómo se puede lograr eso desde el teatro?

Maite Velo: –El punto es intercambiar desde la diferencia. El teatro es aquí y ahora, y la necesidad de que los grupos estén es central. Entonces, borrar las fronteras es acercarnos aún más, teniendo en cuenta las diferencias para que vengan a contar lo que cada uno quiera contar de su lugar. Y así compartir y aprender. Hay una instancia en cada obra de una charla debate post función. Hay palabras que nos resuenan todo el tiempo, que identifican el ELTI: el intercambio, el compartir, el estar. Es un momento que abre este ida y vuelta del público con los artistas para poder generar este intercambio ya no de espectador y actor, sino de seres humanos en un momento único. Y que los espectáculos extranjeros, que tal vez es la única vez que se presentan en Buenos Aires, puedan llevarse algo. Eso es, para nosotros, borrar fronteras: acerquémonos. Rompamos los límites.

F. S. B.: –Tanto el año pasado como este la temática se dio de una manera natural, si se quiere, que en todas las obras nos encontramos hablando de la identidad, haciendo memoria de todo lo que sufrió cada uno de los países participantes por las dictaduras. Este es nuestro granito de arena para cambiar algo.

Una discusión siempre presente en UmaMinga es cómo definir al evento, por eso remarcan el carácter de “encuentro” que tiene. No es casual: a diferencia de la manera en la que funcionan los festivales, el ELTI, destacan a coro, tiene el acento puesto en otro lado, desde las obras seleccionadas para participar y los criterios con los cuales se las elige, hasta el armado y las temáticas tratadas en las conferencias y las charlas-debate. “La premisa fundamental es conocernos –reivindica Suárez Bignoli– más allá del hecho artístico. Como es un encuentro, y no un festival, convivimos desde las diez de la mañana hasta las doce de la noche. Es desde este lugar humano que nos interesaba compartir con determinadas personas”, compara.

–¿Dónde se plasma para el espectador esa diferencia entre “encuentro” y “festival”?

F. S. B.: –Muchas veces nos preguntamos cuál es el criterio de selección, y nos damos cuenta de que las obras son tan importantes como una conferencia, o una charla debate, como un taller... Lo más importante es a nivel humano. Por eso es un encuentro y no un festival. Nos parece más importante el camino, el recorrido, lo que tienen para contar que la estética en sí. Porque, ¿quién decide a nivel estético qué está bien y qué está mal? No somos un jurado de festival. Lo fundamental nos parece que es remarcar la diferencia entre la lógica de un festival y un encuentro como el que planteamos nosotras. Nos pasó en Bolivia en el Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra el año pasado, que nos decían que no podíamos no ver a tal grupo, y sentía que era todo un marketing del teatro for export. Entonces, el formato del festival también tiene ciertos códigos de temática, de estéticas, que para mí terminan vaciando el contenido. Es nuestra forma de ver el teatro, de querer vincularnos con las personas que hacen teatro, pero hay algo de lo festivalero que apunta a algo diferente de lo que pretendemos nosotras.

M. V.: –Hay distintas opciones, a las que uno puede adherir o no. Son formas. Creo que el secreto es volver a preguntarse qué es lo que uno quiere contar con eso. Quizás el festival en su origen, como dice la palabra es una fiesta, y eso se fue deformando con los años buscando lo espectacular, lo competitivo, y está bueno tratar de volver a ese espíritu de encuentro, de comunión. Nosotras queremos comunicar con el ELTI esto de volver a la calle, convocar a la gente desde ahí, el espíritu de alegría que hubo el año pasado y nos gustaría que se repita este año. Queremos que sea una fiesta popular. Estamos proponiendo algo diferente, desde cuestionarnos qué es teatro independiente, qué es el teatro latinoamericano... Lo repensamos todo el tiempo para generar encuentros de diferentes maneras, rompiendo los formatos establecidos de festival para generar otra cosa. Por eso la calle tiene un protagonismo importante en nuestra propuesta.

Tanto la apertura como el cierre serán en espacios públicos. Y la explicación es que además de invitar a los espectáculos, conferencias y charlas, el ELTI también sale en busca de su público, irrumpiendo en lo cotidiano para desnaturalizar la rutina. Para la inauguración harán a las 18.30 una “performance corporal” en el Obelisco (“con todos los que seamos”, amenaza Velo) y luego irán caminando hasta Andamio 90, donde tocará Chumba. Y la clausura del encuentro será una jornada gratuita en Plaza de Mayo, donde se lanzará el proyecto “Libro liberado”, para que la gente lea un libro y lo deje en cualquier lugar donde otra persona pueda reiniciar el proceso, y se presentarán DJ Villa Diamante; Fémina; Adiós Ayacucho, del grupo Yuyachkani; y el número final estará a cargo de la murga Le puse Cuca. “La premisa es ‘buscar para encontrar’, para invitar a esta fiesta del teatro”, define Velo. “Vamos disfrazados de detectives, desde un lugar bien teatral y para que la gente no se asuste cuando los estemos buscando (risas). Es una forma de difusión y la invitación a que todo el mundo pueda enterarse”, adelanta.

–No es una forma de convocatoria tradicional. ¿Por qué eligieron esos lugares para mostrarse?

F. S. B.: –Me parece interesante intervenir en la calle. Hacerse ver sin esperar que la gente elija ir a ver eso. Nosotras con el ELTI tratamos de hacer eso, intervenimos la Plaza de Mayo el último día, la inauguración es hacer quilombo en la calle. Convocamos a las salas, pero también vamos a buscar al público. La idea es meterse en lo cotidiano, romper un poco. Es el Obelisco, la 9 de Julio a las seis y media de la tarde: todo el quilombo de gente laburando, y ahí estamos. ¡Mírennos! Hay cosas que están pasando... Pero es un ida y vuelta: miranos, pero te buscamos. Hay una búsqueda desde lo teatral en la que te invitamos a venir a ver, a ser parte de este encuentro.

M. V.: –Igual que el año pasado, pedimos colaboración al IEM (Instituto Espacio para la Memoria) porque nos parecía que la Plaza de Mayo era súper representativa en eso de salir a la calle por reclamos, fiesta e historia. Tuvo mucho que ver la temática de la búsqueda de la identidad, por lo que está invitada Taty Almeida. Este año nos surgió la necesidad de ir a plazas que están por ser enrejadas y hacer actividades ahí, como en el parque Lezama. Vamos a la Plaza de Mayo por la repercusión que puede tener como llamada de atención, y lo representativo que es para la historia argentina.

* Toda la programación y horarios de las conferencias y charlas en 

Provocación sexista en la música

Las actitudes machistas pasan del hip-hop o el reggaeton a los temas pop de moda este verano | No es un problema de moral, sino de representación de la sexualidad femenina | Nadie toleraría una canción homófoba o racista, pero sí que degrade a la mujer | Se critica a Miley Cyrus, pero nada se dice de la pose chulesca de Thicke

Música | 31/08/2013
MAITE GUTIÉRREZ
Barcelona

Music video by Robin Thicke performing Blurred Lines. (C) 2013 Star Trak, LLC

video
Blurred Lines (Unrated Version) C) 2013 Star Trak, LLC

Puede parecer sorprendente, pero estas frases se repiten una y otra vez en todas las emisoras de radio musicales del país, en los chiringuitos de las playas o en las piscinas: "Tú eres la zorra más buenorra que hay en este lugar; han intentado domesticarte, pero eres un animal, está en tu naturaleza; te voy a dar algo lo suficientemente grande como para partirte el culo en dos; haz como si te doliese...". Se trata de la letra de Blurred lines, una de las canciones del verano, del artista estadounidense Robin Thicke. Su prosa quizás haya pasado desapercibida por estas latitudes al estar escrita en inglés, pero no así el videoclip del tema, en el que un Thicke trajeado se pasea junto a dos colegas entre chicas semidesnudas que sujetan corderitos, tocan el banjo, posan a cuatro patas o juguetean con una ristra de salchichas. En total, más de 15 millones de personas han visto el vídeo en YouTube y otras 154 millones han visitado una versión algo más light de la cinta. El mensaje, al final, viene a ser el mismo. 

El tema tiene algo de autoparodia, pero ilustra hasta qué punto la música para las masas explota el estereotipo de mujer como objeto de disfrute sexual para el hombre. Los niveles a los que lo eleva Thicke son más propios del hip-hop o del reggaeton, donde el machismo y la homofobia campan a sus anchas, una dirección que ahora toman algunos artistas pop. La última canción de Justin Timberlake o el tema I know you want me, que hace un par de años popularizó Pitbull, son sólo otros dos ejemplos del auge del sexismo mainstream. ¿Es posible a estas alturas?

"Los vídeos son el reflejo de la sociedad que tenemos y construimos, y la sociedad en la que vivimos es machista y discriminadora", señala Sílvia Morón, pedagoga y miembro del grupo de investigación sobre Violencia y Medios de Comunicación de Blanquerna-URL. Esta profesora señala que el estereotipo de mujer como objeto sexual perdura y es asimilado tanto por hombres como por mujeres, por eso canciones y vídeos como el de Thicke triunfan. "Hay un público objetivo que lo aprueba, al que agradan estas producciones; si se produjese un rechazo generalizado no se lanzarían temas de este tipo", continúa. A nadie se le pasa por la cabeza que una canción abiertamente homófoba o racista llegase al número uno de todas las listas de éxitos, que la emitiesen por antena a todas horas como ocurre con Blurred lines. "En cambio, un tema en el que se hace burla de la mujer y se la degrada sí que se acepta", incide esta investigadora. 

La presencia del sexo en canciones y videoclips no es nada nuevo. El tema Erotica, que Madonna lanzó en 1992, marca uno de los hitos al respecto. Pero la cinta de Madonna presenta la imagen de una mujer consciente de su sexualidad y reivindica el amor lésbico. Erotica es provocación más denuncia social. Los vídeos que triunfan últimamente, en cambio, recurren a los mitos clásicos y a tópicos, indica Patricia Soley-Beltran, doctora en Sociología del Género y profesora en la UOC y la UPF. "Lo que irrita de Blurred lines es esa visión tan anticuada: la mujer como un animal que el hombre ha de domesticar, porque él sabe lo que ella necesita", resume. "Yo sé qué quieres, yo sé qué quieres... voy a coger a una niña buena", repite machaconamente Robin Thicke. "Sé que me deseas", dice el tema de Pitbull. "La manera en la que representan la sexualidad de la mujer no es madura; aparecen chicas mucho más jóvenes que el cantante en una actitud pasiva", continúa esta doctora. En este sentido, la tan discutida actuación de Miley Cyrus (la ex-Hanna Montana reconvertida en no se sabe qué) supone una vuelta de tuerca a esta situación. "Ella es la que toma la iniciativa, la que ataca, el problema es que no lo presenta de una forma creíble", considera esta investigadora. 

Lo curioso del tema es que los bamboleos de Cyrus hayan escandalizado a la opinión pública de esa manera y nada se haya dicho de la pose chulo-proxeneta de Thicke. "Yo sé qué quieres...". En este sentido, Soley-Beltran advierte que el debate ha de alejarse de moralismos. "Como sociedad, deberíamos hacer una reflexión profunda sobre qué modelo de sexualidad deseamos". Hoy en día imperan dos modelos: el clásico del macho dominante, y el de la mujer que asume ese rol masculino y que hace del hombre un objeto. "¿Eso es lo que queremos? ¿La gran revolución consiste en que la mujer asuma una sexualidad según unas reglas del juego que no ha definido?", se pregunta esta investigadora.

Los cambios simbólicos que implican la búsqueda de unas relaciones distintas, de igual a igual, son profundos, algo que debe calar entre generaciones. "El problema -sostiene Sílvia Morón- es que estamos rodeados de un retroceso democrático, en el que perdemos derechos y aumenta la violencia de todo tipo -económica, educativa, sanitaria...-, y en este contexto vuelven a aparecer actitudes que creíamos superadas".

"Yo sé qué quieres; eres un animal, está en tu naturaleza; voy a coger una niña buena; haz como que te duele...". Lo dice Robin Thicke cada día por la radio, y no pasa nada.

"El hijo de puta del sombrero" nueva función en el Coliseo

"EL HIJO DE PUTA del sombrero"
Teatro

Mario (Pablo Echarri) y Valeria (Nancy Dupláa) siguen tan enamorados como desde el primer día que se conocieron en la escuela primaria. Pero ahora que Mario acaba de salir de prisión en libertad condicional con la firme voluntad de conseguir un trabajo aceptable y mantenerse sobrio, Valeria no parece ser de mucha ayuda, tanto por su lengua filosa como por sus propias adicciones. El encargado de supervisar que Mario se mantenga en la buena senda es Esteban (Fernán Miras), su padrino en alcohólicos anónimos de una moral más que dudosa y que a duras penas puede mantenerse alejado de sus propias adicciones. Aunque la nueva convivencia entre Mario y media naranja es un tanto complicada, el amor que los une es puro y verdadero y nada pero nada podría interponerse entre ellos. Nada, salvo un extraño sombrero que aparece en el lugar equivocado… en el momento equivocado. Y ya nada parece importar más que encontrar al maldito del dueño.

EL HIJO DE PUTA DEL SOMBRERO promete 90 minutos de una montaña rusa febril plena de acción, engaños, humor y personajes irreverentes que nunca encuentran la palabra justa para el momento adecuado. Una comedia romántica de perdedores, una historia de sobrevivientes con humor acido y corrosivo.

EL HIJO DE PUTA DEL SOMBRERO se estrenó originalmente en Broadway el 11 de abril de 2011 en el Gerald Schoenfeld Theatre, con un elenco integrado por Chris Rock, Bobby Cannavale, Annabella Sciorra, Elizabeth Rodriguez y Yul Vázquez, con dirección de Anna D. Shapiro (Agosto: Osage County); siendo nominado al Premio Tony a la Mejor Obra y recibiendo los Premios Drama Desk a la Mejor Obra y Mejor Actor.

Pablo Echarri regresa al teatro luego de su aclamada actuación en The Pillowman; ahora en un doble rol de protagonista y co-productor. 

Comenta Stephen Adly Guirgis, autor: “La escritura de EL HIJO DE PUTA DEL SOMBRERO comenzó como un mero ejercicio de escritura muy personal inspirado en una relación que se había terminado. Ese ejercicio, el cual escribí y reescribí durante 24 horas seguidas se convirtió en la primera escena de la obra. Pronto, había escrito una obra sobre como lidiamos y comenzamos a aceptar nuestras responsabilidades como adultos. Pero algo curioso de la vida es que, hagamos lo que hagamos, la vida es un trabajo incompleto y seguimos dependiendo siempre de nosotros mismos”.

Comenta Javier Daulte, director:EL HIJO DE PUTA DEL SOMBRERO: Un mundo brutal.
Mario ama a Valeria. Valeria ama a Mario. ¿Por qué entonces la felicidad parece resultar imposible?
Una historia de amor ubicada en un contexto de violencia, adicciones y criminalidad.
Personajes que tienen, sino nada, poco que perder.
Una comedia tan cruda como desopilante, que transita un mundo donde valores como el amor y la lealtad parecen apenas tener cabida.

viernes, 30 de agosto de 2013

Agenda Teatro La Plata

Viernes | 30.08.2013 Publicado en Edición Impresa:   Espectáculos

Marathón (Foto: Pablo Bruzzone)

Viernes 30

Marathón.- Hoy a las 21.30 en Espacio 44, 44 Nº 496, de Ricardo Monti, con dirección de Claudio Rodrigo.

El enfermo imaginario.- Hoy a las 21 en la Sala Armando Discépolo, 12 entre 62 y 63, de Molière, con versión y dirección de Carlos Moreno.

Hipocondríacos.- Hoy a las 21 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, de Alejandro Hasan Causa.

Stand Up Legal.- Hoy a las 22 en Club de Comedia, 71 entre 17 y 18, con dos humoristas porteños y dos platenses.

Muestra de stand up.- Hoy a las 22 en Espacio Arte Vivo, 58 entre 4 y 5, a cargo de alumnos del Taller de Stand Up dirigido por Alicia Diciacio.

Una noche en Hollywood.- Hoy a las 20.30 en El Bombín Teatro, 59 entre 12 y 13, con Maite y Julia Urbiztondo, con producción y dirección general de Marta Cipriano. Ultima función.

El hermoso viaje de los osos panda contado por un saxofonista que tenía una amante en Frankfurt.- Hoy a las 21 en El Obrero, 13 y 71, de Matei Visniek, con dirección de Víctor Hugo Fernández.

Freakplay.- Hoy a las 22 en el Centro Cultural Teatro Práctico, 65 entre 3 y 4, teatro de improvisación teatral.

El Match de Improvisación.- Hoy a la medianoche en el Teatro Concert, 43 entre 7 y 8, espectáculo de impro, humor y deporte, con dirección de Juan Pablo Pereira y Federico Marota.

Teatro en italiano.- Hoy a las 19.30 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, se ofrecerá la obra “Non tutti i ladri vengono per nuocere”, de Darío Fo, con dirección de Susana Isidro, con entrada libre y gratuita.

El Cuervo.- Hoy a las 21 en Saaverio Cultural, 20 y 71, basado en cuentos de Edgar Allan Poe.

Latidos oscuros.- Hoy a las 22 en el Centro Cultural El Escudo, 10 entre 60 y 61, última función, a cargo del grupo No Teatro.

Las Abbas.- Hoy a las 23 en La Queimada, 60 esquina 26, show de transformismo y humor, “Bien Arriba”.

Senderos de España.- Hoy a las 20 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7,.

Grandes divanes.- Hoy a las 21 en La Mulata, 55 entre 13 y 14, escrito y dirigido por Máximo Calabrese y Markos Spanevello. Ultima función.

INFANTILES

Agosto mes de los niños en la biblioteca.- Hoy a las 18 en el Complejo Municipal López Merino, 49 Nº 835, cierre de actividades de este ciclo de lecturas, narraciones, música, canciones y regalos destinado a niños y adolescentes.

Sabado 31

El loco de los libros.- Mañana a las 21 en El Altillo del Sur Casateatro, 1 Nº 1693, casi 67, de y por César Palumbo.

El enfermo imaginario.- Mañana a las 21 en la Sala Armando Discépolo, 12 entre 62 y 63, de Molière, con versión y dirección de Carlos Moreno.

Los Tintos. Humor sano.- Mañana a las 22 en el Centro Cultural Teatro Práctico, 65 entre 3 y 4, a cargo de Leandro Tarabini, Gabriel Peralta y Gastón Vignau.

Como un puñal en las carnes.- Hoy a las 23 en Teatro Estudio, 3 entre 39 y 40, de Mauricio Kartun, con puesta en escena y dirección de Raúl Bongiorno.

Yvonne, princesa de Borgoña.- Mañana a las 21 en el Centro Cultural Viejo Almacén El Obrero, 13 esquina 71, última función de esta obra de Witold Gombrowicz, dirigida por Alejo Marschoff.

Mateo.- Mañana a las 21 en La Lechuza, 58 entre 10 y 11, grotesco en tres actos de Armando Discépolo, a cargo del grupo de teatro Duodeno, con dirección de Esteban Matrángulo.

Estancia La Cefalea.- Mañana a las 21 en Saaverio Cultural, 20 esquina 71, con dramaturgia y dirección de Ratón Losada.

The Parados.- Mañana a las 22 en Club de Comedia, 71 entre 17 y 18, show de stand up.

Sonia P... existe, aún está sana y vive acá (Diario de una psicótica).- Mañana a las 20.30 en el Teatro Rambla, 2 entre 48 y 49, con Mónica Greco y dirección de José de las Heras. No apta para menores de 16.

El patio de atrás.- Mañana a las 20.30 en el Consejo Profesional de Química, 7 entre 42 y 43, de Carlos Gorostiza, con dirección de Franco Di Plácido.

Brasas (fuego de noche).- Mañana a las 23 en El Fondo, 10 entre 63 y 64, con dramaturgia de Rogelio Borra García.

Tapadas de silencio.- Mañana a las 21 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, con dirección de Andrea Arias López.

INFANTILES

El Payaso Chicho Capucho.- Mañana a las 16.30 en el Playón de la Estación Provincial, 17 y 71, espectáculo para toda la familia.

A merendar con Hugo Figueras.- Mañana a las 16 en Ciudad Vieja, 17 y 71, junto a la Camerata Estudio de la Orquesta Escuela de Berisso presentando “Música de Cámara y Acción”.

La Bella y la Bestia.- Mañana a las 16 en El Bombín Teatro, 59 entre 12 y 13, a cargo de la Compañía Teatral Infantil Capitán Piluso.

Robin Hood... entre princesas y villanos.- Mañana a las 17 en El Obrero, 13 y 71, a cargo del grupo Artex100pre, con dirección de Nicolás Alonso.

Dorothy y sus amigos en la tierra de Oz.- Mañana a las 16 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, con dirección de Lorena Velázquez.

Domingo 1

El enfermo imaginario.- El domingo a las 21 en la Sala Armando Discépolo, 12 entre 62 y 63, de Molière, con versión y dirección de Carlos Moreno.

Mi Foucault.- El domingo a las 20.30 en Espacio 44, 44 Nº 496, con dirección de Julio Salerno.

Locas por Gardel.- El domingo a las 20 en Espacio Cultural Don Juan, 5 entre 69 y 70, la compañía teatral Lado Oscuro presenta esta obra dirigida por Magalí Savegnago.

Eter Retornable.- El domingo a las 20 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, obra ganadora del Concurso de la Comedia Municipal 2013, con dirección de Germán Crivos, con entrada libre y gratuita.

Yoka.- El domingo a las 21 en Club de Comedia, 71 entre 17 y 18, humor de stand up.

Show de humor stand up.- El domingo a las 22 en Club de Comedia, 71 entre 17 y 18.

Formas de hablar de las madres de los mineros mientras esperan que sus hijos salgan a la superficie.- El domingo a las 20.30 en El Núcleo, 6 entre 40 y 41, de Daniel Veronese, a cargo del grupo Didascalia Teatro, con dirección de Carolina Donnantuoni.

Cuando tu carne huela a jazmín.- El domingo a las 20 en 66 entre 11 y 12, a cargo del Equipo Teatral Transinfin, con dirección de Poli Carzolio.

Introducción a la iniciación actoral.- El domingo a las 15 en el Taller de Teatro Rambla, 2 entre 48 y 49, inicia este ciclo práctico didáctico sobre el comienzo del desarrollo de la creatividad del actor y su aplicación artística, social y educativa, coordinado por León Rindzius.

Las Abbas.- El domingo a las 23 en La Queimada, 60 esquina 26, show de humor y transformismo, “Pim Pum Pam”.

INFANTILES

Giratutto.- El domingo a las 16 en el Playón de la Estación Provincial, 17 y 71, a cargo del payaso Alan Brando.

Cenicienta, encantado amor.- El domingo a las 16 en El Bombín, 59 entre 12 y 13, con dirección de Belisario Román, con entrada libre y gratuita.

Merlín. Magia y Espadas.- El domingo a las 16 en La Nonna, 3 esquina 47, de y por Leo Ringer, con dirección de Gonzalo Gómez Safar.

El Doctor Cerebro.- El domingo a partir de las 15, dos funciones distintas de circo y humor para toda la familia en Plaza Italia, 7 y 44.

Luciano Pereyra en el Coliseo Podestá

LUCIANO PEREYRA
Recital

El nuevo álbum del cantante que vendrá a presentar al Coliseo Podestá, lleva por nombre Con alma de pueblo que marca el regreso tan esperado del cantante de Luján a los escenarios después de varios meses de ausencia.

 a salida de Con alma de pueblo fue precedida por una notable expectativa, ya que se trata del primer trabajo de Luciano tras los problemas de salud que lo mantuvieron alejado de la escena durante la segunda mitad del año pasado. La placa, que sucede al exitosoVolverte a ver, cuenta con un repertorio folklórico consistente en ocho temas propios y cuatro clásicos del género.

Luciano se da el gusto de interpretar "Memorias de una vieja canción" de su gran referente, Horacio Guarany, y de tenerlo como invitado en un tema de propia autoría: "Te digo adiós". En una chacarera que le pertenece en letra y música, "La hora del cantor", es Peteco Carabajal quien suma su arte al grabar voz y violín. El acordeón del Chango Spasiuk engalana el clásico "Mis noches sin ti", mientras que las guitarras de Juanjo Domínguez acompañan magistralmente la voz de Luciano en otra nueva canción:"Soy mendocino".
Completan el álbum, una versión única del clásico Zamba para olvidar con arreglos de violas, cellos y violines; "Que siga el baile", de Julio Argentino Jerez; y otras composiciones de Luciano como"El elegido" -primer corte de difusión-, "Donde estará", "Hoy me desperté", "Dame un beso" y el que da título a este trabajo: "Con alma de pueblo".

Los temas que Luciano presentará en el Coliseo Podestá fueron grabados en su mayoría por los músicos que lo acompañan sobre el escenario. La producción artística estuvo a cargo del propio Pereyra junto a Lolo Micucci, quien además es el arreglador y director musical del disco, y fue grabado principalmente en los estudios ION, por el Portugués Da Silva y Federico San Millán.

jueves, 29 de agosto de 2013

El Teatro Argentino, en tiempo de conflicto

Jueves 29 de agosto de 2013 | Publicado en edición impresa

Crisis

La cancelación de La traviata y sus efectos inmediatos

Por Alejandro Cruz  | LA NACION


Comunicado de anteayer del Teatro Argentino de La Plata: "Como consecuencia de las medidas intempestivas, arbitrarias e imprevistas adoptadas por los integrantes de la Orquesta Estable que ocasionaron la suspensión del estreno de La t raviata, la dirección general ha iniciado las actuaciones administrativas a fin de determinar la responsabilidad que les cabe así como las sanciones que correspondiere aplicar".

Si bien hay factores que llevan a pensar que la crisis que paralizó la actividad de la sala a fin del año pasado fue mejorando de a poco, los efectos de aquella situación crítica, sumados a hechos puntuales pendientes, están teniendo graves consecuencias.

Desde hace un tiempo, el Ministerio de Trabajo provincial abrió una mesa de negociaciones entre las partes. Según interpreta Leandro Iglesias, director de la sala, "en ese marco se logró acordar una agenda. Estamos en pleno proceso de discusión y debate, en medio de una situación económica restrictiva que afecta a toda la provincia. El tema central del reclamo por parte de los trabajadores no pasa por lograr un incremento salarial, apunta a normalizar la estructura funcional del teatro. Claro que, de lograrlo, va a tener un reflejo en una mejora salarial. Nosotros reconocemos los reclamos. Hay gente que sigue trabajando en condiciones precarias. Estábamos en eso cuando, de golpe, vinieron medidas de fuerza que impidieron la realización del ensayo general de La t raviata".

Pablo Nalli forma parte de la orquesta. En su carácter de delegado, opina: "Si bien la situación es mejor ahora que a principio del año, hay muchas cosas pendientes. Por ejemplo, hay un grupo de 20 contratados a los que se les adeuda el salario desde hace unos tres meses. Estamos en permanente contacto con la dirección y sabemos que están buscando una solución, pero no tenemos respuesta por parte del gobierno, que es el que tiene que poner el dinero. Hay desgaste, hay cansancio".

Aunque ambas partes dan cuenta de cierta voluntad de diálogo, el acuerdo parece complejo de alcanzar. Iglesias cree que uno de los factores que entorpece la negociación es la variedad de representaciones gremiales que conviven en el edificio. "Sé que no están pidiendo ninguna barbaridad, la cuestión es poder ponerse de acuerdo para avanzar", dice .

Mañana habrá una nueva reunión en el Ministerio de Trabajo. El domingo debería realizarse un concierto dedicado a la obra de Brahms, que contará con la dirección de Carlos Vieu y la actuación del pianista israelí Boris Giltburg. Ayer por la tarde la Orquesta estaba ensayando. Claro que en los tiempos que corren nadie se anima a confirmar la realización del concierto..

Martina Stoessel: "La fama me hizo crecer de golpe"

Jueves | 29.08.2013 

"Todo esto es un flash. No lo puedo creer...", dice Martina Stoessel, la actriz que interpreta a "Violetta"

Martina habló de cómo era su vida antes de ser Violetta y después

Chica récord en la Argentina y fenómeno de exportación, Martina Stoessel se convirtió en un suceso de fama y de ventas con "Violetta", el personaje de Disney con el que no solamente es un suceso televisivo sino también teatral y de merchandising. "Todo esto es un flash. No lo puedo creer...", aduce la joven estrella.

"Aunque a veces me canse, este es mi momento de disfrutar y hacer lo que toda la vida soñé", señaló la joven actriz y cantante a la revista Hola!, entrevistada como fenómeno de los últimos tiempos tanto en la televisión como en la música y en el teatro.

Martina Stoessel tiene tan sólo 16 años pero una ilusión de siempre. Y a pesar de su juventud, ya se siente madura. "La fama me hizo crecer de golpe", confió.

Ocurre que, más allá de ser la estrella de Disney Channel con la ficción "Violetta", Martina, "Tini" para su familia y amigos, lleva unas setenta funciones en el Teatro Gran Rex de la calle Corrientes con su espectáculo desprendido de la serie y ya tiene fans en países tan distantes de la Argentina como España, Francia, Turquía, México, Rusia y Australia.

Como si esto fuera poco, acaba de ganar el premio Martín Fierro Revelación y el programa se llevó el de Mejor Serie Infantil/Juvenil; mientras que la semana pasada "Violetta", el primer CD del ciclo (van por el tercero), se alzó con un premio Carlos Gardel a la Música en la categoría Mejor Album Banda de Sonido de Cine/Televisión.

"Veo que mi cara está en remeras, carpetas, figuritas, revistas, afiches... De verdad me siento muy feliz porque pongo mucho de mí. No puedo pedir más", confesó la joven.

A pesar de la fama, y tal como puede esperarse de cualquier adolescente, Martina confesó en la misma entrevista que lo que le gusta hacer en los ratos libres es dormir. "Duermo todo lo que puedo, me levanto al mediodía. Me encantaría pintar o dibujar, pero no tengo ningún talento para eso. También tengo una maestra particular y curso el colegio por internet. Después, no me queda tiempo para nada más", detalló.

En cuanto a sus relaciones sociales, mermadas por la fama, se mostró algo afligida, y reconoció que extraña a sus amigas y compañeras de escuela. "Cuando arranqué la tele cursaba regularmente en el San Marcos, pero este año, cuando se planeó la gira que nos llevó cinco meses, nos dimos cuenta de que me iba a quedar libre, y no es la idea atrasarme con los estudios. De esta manera es mucho más relajado y las profesoras me entienden porque están acostumbrados a trabajar con bailarinas, tenistas y chicos que están en situaciones similares. A mis amigas las veo más los fines de semana. Ahora con el teatro es más complicado, pero si no, nos juntamos a comer y ellas después salen", contó.

"Yo era muy salidora y de un día para el otro esa vida se acabó. Tenía mucho miedo de quedarme sin amigas pero, todo lo contrario, me entienden y cuando tengo un hueco se reservan para verme. Se los agradezco un montón", detalló sobre su cambio de vida.

Más allá de los esfuerzos que requiere la fama, vale la pena para Martina. "Desde que soy chiquita pasaba horas frente al espejo, me ponía tacos, me pintaba, bailaba y jugaba con amigos imaginarios. Lo loco es que en casa no querían que trabajara, pero las cosas sucedieron porque tenían que ser así", contó.

"Mi papá (el productor Alejandro Stoessel) se había ido de Ideas del Sur, donde trabajaba, y fue a presentar un proyecto a Disney –contó la joven-. Para eso, me pidió si podía grabar unos temas. Yo le pregunté para qué, si ni él ni mamá me dejaban trabajar. Y pasó que un hecho artístico uno sabe dónde empieza pero no dónde termina. Que lo hiciera sólo si me divertía y me enganché enseguida, porque se trataba de grabar un par de temas con un primo de mamá, que tiene una banda, así que todo fue casero. Finalmente, al presentar este proyecto le preguntaron quién cantaba. Y como les gustó mi voz, le ofrecieron que participara de un casting para un programa que estaban armando. Jamás pensé que iba a quedar. Yo iba al colegio, estaba en otra, pero un día me confirmaron. En casa no lo podían creer. El programa sale en Europa, en toda Latinoamérica, en Australia, Turquía... Es una locura"

Más cruces entre autoridades y trabajadores del Argentino

Jueves | 29.08.2013 Publicado en Edición Impresa:   Espectáculos  

ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA

Tras conocerse el comunicado emitido por el administrador general del Teatro Argentino, Leandro Iglesias, en el que se anuncia una investigación sobre la responsabilidad que les cabe a los integrantes de la Orquesta en la suspensión de las funciones de la ópera “La Traviata” y las posibles sanciones a aplicar, los trabajadores de diversos sectores del centro cultural bonaerense dieron a conocer su respuesta.

Sobre la responsabilidad atribuida a los integrantes de la Orquesta Estable por la suspensión de “La Traviata”, señalan que “existen problemáticas muy graves en el teatro argentino tanto en lo que se refiere al atraso en el pago de haberes, condiciones de precarización laboral, como a la ausencia de una programación acorde con las posibilidades del Teatro Argentino en tanto teatro de producción propia”.

En torno al primer punto, el comunicado de los trabajadores afirma: “El administrador general del teatro nunca resolvió en tiempo y forma el pago al personal no estable de la orquesta ni los demás cuerpos (reclamo instalado desde el mes de febrero), tampoco resolvió los restantes problemas que padece nuestro teatro”.

Sobre la suspensión de las funciones, el comunicado de los trabajos sostiene que fue el propio Iglesias quien “prefirió tirar por la borda el esfuerzo de todo un teatro, su producción, la contratación y viaje de solistas y directores, más el trabajo de todo el personal de la casa. Estaban programadas seis funciones, no se explica cómo este funcionario no buscó realizar algunas o todas ellas en la modalidad de reprogramación”.

En este sentido, el texto sostiene que “La orquesta no suspendió nada, fue el administrador quien directamente al cancelar las funciones listas para realizarse produjo -él mismo-, la enorme pérdida económica a la que hace referencia”.

Tras señalar que durante la actual administración ya hubo otros intentos de suspender espectáculos, los trabajadores finalizan diciendo: “La máxima autoridad de un teatro es quien debe poner todo su esfuerzo para mantener el teatro abierto y sus cuerpos trabajando en las condiciones que marca la ley”.  

“Tanguito Mío” sigue cosechando distinciones

Jueves | 29.08.2013  Publicado en Edición Impresa:   Espectáculos

UN ORGULLO PLATENSE

La obra de Gastón Marioni obtuvo los premios ACE, al mejor infantil, y Hugo, a la mejor coreografía

GASTÓN MARIONI, CON SU PREMIO ACE EN LA MANO, SOBRE EL ESCENARIO DEL TEATRO NACIONAL, JUNTO AL RESTO DE LOS GANADORES

El director teatral, docente y dramaturgo platense Gastón Marioni sigue cosechando distinciones con “Tanguito Mío. Un musical bien guapito”, la obra con música original de Tato Finocchi que acaba de recibir el PremioACE a la Mejor Producción Infantil 2012/2013, además del Hugo a la Mejor Coreografía en Musical Infantil y/o Juvenil,

Este espectáculo, que actualmente se presenta en el porteño Teatro Maipo con un elenco juvenil de grandes figuras, fue galardonado el año pasado con el Premio Nacional de la Cultura, después de haber recibido calurosos aplausos de miles de espectadores platenses tras dos exitosas temporadas en la Ciudad.

“Por primera vez en mi vida recibo el premio ACE. La adrenalina es inexplicable, la emoción es inmensa y ahí uno se pone ‘tontofónico’ a la hora de hablar y seguramente uno puede pecar omisiones al agradecer. Pero aquí hago lugar a todos y cada uno de ellos, porque sin cada eslabón es imposible, porque creo que es válido agradecer, porque creo que el teatro para toda la familia sigue vivo, porque creo en el trabajo y en soñar en grande, porque amo lo que hago... por todo eso comparto con todos y cada uno este premio”, aseguró Gastón Marioni, tras una larga lista de agradecimientos personales y generales, horas después de haber recibido esta importante distinción.

La ceremonia de entrega de los ACE se llevó a cabo el martes en un repleto teatro El Nacional, donde la colonia teatral porteña se dio cita para celebrar el galardón más importante de los escenarios. El espectáculo platense competía en su rubro con destacadas producciones tales como “La fábrica de los sueños”, “Los Peques”, “Mundodanza” y “Pinocho y Copelia”.

“‘Tanguito Mío...’ -aseguró Gastón sobre su espectáculo- es un proyecto muy querido por mí y por Tato Finocchi porque creo que en esta obra se sintetiza la plástica y la musicalidad que nosotros queríamos lograr”.

"Fiera de amor" en el Ciclo de Teatro Independiente

Una obra intensa

Este jueves 29  a las 20.30 hs. se presenta en la sala A del CC Pasaje Dardo Rocha Fiera de amor. Una obra del grupo Barataria destinada al público adulto. Valor de la entrada $25

Agonía. Delmira vive sus últimos momentos. Las imágenes de su pasado atraviesan su cuerpo caóticamente. En ese último instante su mirada es irónica y desencantada.

Actúa Analía Aristegui. Trabajo corporal a cargo de Sofía Diotto. Canto: Marianela Giménez Finocchiaro. Voz en Off: Omar Musa. Escenografía, vestuario y luces: Maira Benito Revollo. Diseño de Audio, dramaturgia y dirección: Nina Rapp.

miércoles, 28 de agosto de 2013

Agustín Alezzo ganó el premio ACE de oro

Además del máximo galardón, el director obtuvo seis galardones por la obra “Jettatore” y otro por “Los justos”.  “Amadeus”, “El león en invierno” y “Manzi, la vida en orsai”, también se quedaron con estatuillas.

28.08.2013

Agustín Alezzo, recibió el ACE de Oro. (Télam)

El teatro tuvo su fiesta anoche con la entrega de los premios de la Asociación DE Cronistas del Espectáculo (ACE) que se realizó en El Nacional y transmitió Canal 7.

La obra Jettatore...,  de Gregorio de Laferrere, estrenada el año pasado en el Teatro  Nacional Cervantes, obtuvo seis Premios ACE a la producción, incluido el de Oro para su director, Agustín Alezzo, quien también se llevó otro por Los justos.

Entre los primeros ganadores estuvieron Tierra del Fuego (mejor obra argentina) y Manzi, la vida en orsai, como mejor musical con Jorge Suárez y Julia Calvo interpretando a Homero Manzi y Nelly Omar.

Entre los principales triunfadores, estuvieron Gabriela Toscano, como actriz protagónica en comedia dramática por Love, love, love; Alfredo Alcón, como director del drama por Final de partida,  y a la obra Amadeus, como mejor drama.

También hubo varios premios para El león en invierno, obra que se quedó con el de mejor actriz de drama, por el papel de Leonor Manso, y mejor actor dramático, para Daniel Fanego.

La lista completa de los ganadores

Drama: "Amadeus", de Peter Shaffer 
Actriz protagónica de drama: Leonor Manso ("El león en invierno") 
Actor protagónico de drama: Daniel Fanego ("El león en invierno") 
Actriz/actor de reparto drama: Silvina Bosco ("Miembro del jurado") 
Dirección de drama: Alfredo Alcón ("Final de partida") 
Comedia dramática y/o comedia: "Le prénom (El nombre)", de Matthieu Delaporte y Alexandre De La Patellière 
Actriz protagónica comedia dramática y/o comedia: Gabriela Toscano ("Love, love, love") 
Actor protagónico de comedia dramática y/o comedia: Mario Alarcón ("Jettatore...!") 
Actriz de reparto comedia dramática y/o comedia: Lidia Catalano ("Jettatore...!")
Actor de reparto comedia dramática y/o comedia: Claudio Da Passano ("Jettatore...!") 
Director de comedia dramática y/o comedia: Arturo Puig ("Le prénom") 
Obra argentina: "Tierra del fuego", de Mario Diament. 
Café concert: "Nada te turbe", por Francisco Pesqueira 
Musical y/o music hall: "Manzi, la vida en orsai"

Actuación femenina en musical y/o music hall: Julia Calvo ("Manzi, la vida en orsai") 
Actuación masculina en musical y/o music hall: Jorge Suárez ("Manzi, la vida en orsai") 
Dirección de musical y/o music hall: Betty Gambartes ("Manzi, la vida en orsai") 
Actuación en obra para un solo personaje: Patricia Palmer ("Juana la Loca", de Pepe Cibrian Campoy) 
Espectáculo de teatro alternativo: "Fragmentos de un pianista violento", de Darío Bonheur 
Actriz en teatro alternativo: Alejandra Darín ("Tierra del fuego") 
Actor en teatro alternativo: Pepe Monje ("Tierra del fuego"), 
Dirección en teatro alternativo: Agustín Alezzo ("Los justos") 
Coreografía: Elizabeth de Chapeaurouge ("Más de 100 mentiras") 
Escenografía: Alberto Negrín ("Amadeus") 
Iluminación: Félix Monti ("Jettatore...!") 
Música original y/o musicalización: Martín Bianchedi ("La dama de negro") 
Vestuario: Graciela Galán ("Jettatore...!") 
Puesta en escena de ópera: María Jaunarena por "La flauta  mágica", de Wolfgang Amadeus Mozart (Juventus Lyrica) 
Infantil: "Tanguito mío"

El Teatro Argentino anuncia posibles sanciones para integrantes de la Orquesta

Miércoles | 28.08.2013  Publicado en Edición Impresa:   Espectáculos

SE AGRAVA EL CONFLICTO EN EL TEATRO ARGENTINO TRAS LA SUSPENSIÓN DE LA ÓPERA “LA TRAVIATA”

Tras el levantamiento de las seis funciones previstas de la ópera “La Traviata” en el Teatro Argentino como consecuencia de un conflicto gremial de larga data, las autoridades del primer coliseo bonaerense emitieron ayer un comunicado en el que anuncian probables medidas disciplinarias para los integrantes de la Orquesta Estable.

“Como consecuencia de las medidas intempestivas, arbitrarias e imprevistas adoptadas por los integrantes de la Orquesta Estable que ocasionaron la suspensión del estreno de La Traviata, la Administración General del Teatro Argentino ha iniciado las actuaciones administrativas a fin de determinar la responsabilidad que les cabe así como las sanciones que correspondiere aplicar”, sostiene el comunicado que lleva la firma del Administrador General del Teatro, Leandro Iglesias.

En su segunda parte, el texto sostiene: “Cabe resaltar que el irresponsable accionar denunciado, ha generado consecuencias de suma gravedad, no sólo para los 2.000 espectadores que habiendo comprado su entrada vieron defraudada su expectativa y derecho a disfrutar del espectáculo, sino también por el esfuerzo económico que demandó la realización de la producción del título programado, que sumado a la devolución de las entradas vendidas, produjo un serio perjuicio fiscal a la Provincia de Buenos Aires”.

Mientras tanto, los reclamos de los trabajadores continúan en torno a las modalidades de contratación de un sector de los integrantes de la Orquesta y por el incumplimiento en el pago de esos contratos.

Además, todos los miércoles al mediodía, continúan las manifestaciones de los cuerpos estables en el hall del Teatro.

El Princesa sigue a la venta, pero con trabas

UN GIGANTE CON SELLO MASONICO

Después de la polémica, ratificaron que es un inmueble “intocable” 


EL IMPONENTE INMUEBLE DE DIAGONAL 74 ENTRE 3 Y 4, EN TIEMPOS DEL TEATRO HERMANDAD DEL PRINCESA. PROPIETARIOS RATIFICARON QUE SIGUE EN VENTA, PERO CON RESTRICCIONES

El centenario edificio de diagonal 74 entre 3 y 4 que albergara la sociedad italiana Unione e Fratellanza y el teatro Hermandad del Princesa seguirá siendo ofrecido a potenciales compradores, pero “sin malentendidos” acerca de su condición de bien patrimonial “intocable” de la Ciudad.

Así lo confirmaron ayer los propietarios del emblemático gigante de sello masónico, cuya incorporación al mercado inmobiliario, meses atrás, provocó revuelo y generó una movida vecinal de rechazo a una eventual demolición.

A mediados de mayo pasado, la colocación de un enorme cartel sobre la fachada del Princesa, mediante el que una firma de “brokers” porteña lo ofrecía como “lote” de 1.300 metros cuadrados (tasado en un valor que alcanzaba las ocho cifras) desató un vendaval de críticas y agitó los fantasmas de la piqueta.

“Hubo un cortocircuito con la gente de la inmobiliaria, que no interpretó bien los datos acerca de las restricciones vinculadas con la propiedad” explica Gerardo García.

Hijo de Quico, el director teatral fallecido en 2012 que a inicios de los ‘90 recuperó el Princesa para la cultura platense, Gerardo aclara que “no es mi voluntad que lo tiren abajo; eso está lejos de mí. Pero la decisión de venderlo está tomada. Sabemos que será difícil, y no tengo apuro”.

“Lo tiene la misma firma” revela García, “y aún no hay nada concreto. Se comunicó gente de algunas entidades y presuntos representantes de empresas, incluso otras inmobiliarias, con propuestas de las que a veces no se sabe qué hay detrás. Nada convincente. Pero las restricciones son públicas, ya quedaron claras e incluso figuran en la página de la Municipalidad”.

Erigida en 1889, la sede de la Sociedad Italiana de Socorros Mutuos “Unione e Fratellanza” supo albergar sucesivamente esa mutual pionera, un cine popular, un llamativo astillero y un espacio teatral experimental.

En el área de Planeamiento de la Comuna advierten que “se puede vender, pero como constituye un bien patrimonial con grado de ‘protección estructural’ en el catálogo del municipio, debe aclararse que no puede existir demolición y cada intervención debe ser estudiada y autorizada o denegada expresamente”.

martes, 27 de agosto de 2013

“Nos propusimos un trabajo poético”

MARTES, 27 DE AGOSTO DE 2013

TEATRO › BLAS ARRESE IGOR HABLA DE LA PUESTA DE TRISTE GOLONDRINA MACHO

Casi desconocida en relación con sus novelas, la obra que Manuel Puig escribió especialmente para el teatro encuentra en la dirección de Arrese (junto a Guillermo Arengo) elementos fantásticos. “La atmósfera neblinosa deben darla los actores”, dice.

Por Hilda Cabrera

“¿Cómo representar a los muertos en escena sin caer en la parodia del fantasmita?” Este es uno de los desafíos que supone montar Triste golondrina macho, obra que el actor y director Blas Arrese Igor considera “extraña” dentro de la producción del escritor Manuel Puig (1932-1990), quien alcanzó enorme difusión con sus novelas Boquitas pintadas y El beso de la mujer araña, trasladadas al cine y el teatro. Actuar es también un reto cuando se trata de componer personajes huidizos, como el Jinete que enamora a las mujeres y parte, y a quien, en el juego de luces y penumbras que propone Arrese, junto a Guillermo Arengo, codirectores de Triste golondrina macho, se lo ubica en la zona del misterio. “Es difícil representar escénicamente la muerte y el recorrido hacia el misterio, pero con Guillermo y el elenco nos comprometimos a no caer en la parodia.” La obra debía sostenerse en la actuación y transmitir “verdad e intensidad”, sostiene Arrese.

La trama de Triste... es áspera e incluye elementos fantásticos y personajes que intimidan, como el Pastor de cabras. Las alianzas y la oscura imaginería volcada en las escenas fortalecen el misterio que alberga un pantano y la discusión entre vivos y muertos, a los que el vestuarista Pablo Ramírez identifica además con el uso del color negro para los vivientes y el gris para los que atravesaron el límite. Esta fantasía no desplaza a la búsqueda, recurrente en la literatura y el teatro de Puig, de una cotidianidad sin ruptura con lo desconocido. Los apuntes sobre “lo femenino y masculino y el amor y el desencuentro” son otros elementos a destacar, así como la simbología del viaje, que Arrese define “revelador”, aplicándolo al propio Puig: “Es parte de esa búsqueda que Puig inicia en General Villegas, donde nació, y continúa en Buenos Aires y después en Italia, donde estudia cine, y luego en España, Inglaterra, Brasil y México, donde muere”. “Lo extraño de Triste... sería su cercanía con la literatura gótica; algo así como una traducción castiza de un texto gótico inglés”, sostiene.

–Fuera de los elementos mágicos y satánicos subsisten otros menos ficcionales: la búsqueda de algo o alguien ante la evidencia de la propia muerte, un recuerdo o una persona, como en otra obra de Puig, El misterio del ramo de rosas.

–Esa es una construcción muy puntual, como la búsqueda de un lenguaje y la reflexión, para mí, tan triste sobre el amor como la que simboliza la idea romántica de que el amor sólo se constituye en la imposibilidad del amor. Eso me conmueve profundamente. Es una idea distinta de la que, también en Triste..., manifiesta el personaje de la Hermana Mayor, que está embarazada. En ella, el amor está más ligado a la vida, es más práctico y menos intenso.

–¿Tal vez porque se acerca a lo real y cotidiano?

–Ese detalle de lo cotidiano nos lleva también a pensar cómo actuar en esta obra. Con Guillermo nos propusimos realizar un trabajo poético. Partimos de Triste..., pero introducimos elementos que no están en el original. Planteamos la obra desde la actuación y desde todo lo que aparece en el espectáculo: la escenografía color rosa chicle; la música minimalista de Diego Frenkel; el vestuario de Pablo Ramírez; la iluminación de Alejandro Le Roux... La niebla de la que se habla está escenográficamente en otro lugar. Esa atmósfera neblinosa deben darla los actores y las actrices, y en este sentido decimos que somos autores.

–¿La codirección favorece ese deseo de totalidad?

–Desde hace años soy amigo y socio artístico de Guillermo. Seis años atrás quisimos escenificar Cae la noche tropical, una novela de Puig que tiene una primera parte con diálogos entre Luci, una argentina que vive en Río de Janeiro, y su hermana Nidia, que la visita. Ellas comparten chismes y se enojan sin perder humor. La situación en que se encuentran es delicada, sensibiliza. La idea era actuar los dos haciendo de Luci y Nidia, pero no pudimos llevar adelante el proyecto. Guille y yo tenemos una cátedra de dirección en el IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte) e hicimos varias obras. Daniel Veronese nos dirigió en Dramas breves 2, del francés Philippe Minyana, y, entre otras puestas, actué en obras de Guille, El montañés, que dirigió, y Lucidez. Además, tiene un guión para una película con toda mi familia. Somos seis hermanos, seis sobrinos varones y una sola mujer, que es mi madre. Le gustó el hecho de que hubiera una mujer en una descendencia de varones. Por otro lado, Puig nos encanta. Pensamos, también, que una obra sea dirigida de a dos democratiza el trabajo. El teatro se construye grupalmente, la verdad aparece desde distintos lugares, y eso ayuda. Las verdades, aunque sean distintas, funcionan. Lo falso no. Por eso digo que la puesta pertenece a todo el equipo, y el resultado es gratificante, aunque tengamos que lidiar con los problemas del Complejo Teatral de la Ciudad.

–¿Cuáles son las ventajas y desventajas de trabajar en un teatro oficial y en el ámbito alternativo?

–Nos alegró que la dirección del Complejo participara en la producción de la obra, porque no hay muchas posibilidades para producir, y en un teatro tan lindo como el Regio. Pudimos armar un buen elenco y tuvimos total libertad en nuestro trabajo artístico. En mi opinión, los problemas empiezan en las políticas culturales. Debíamos haber estrenado un mes y medio antes, pero no se pudo porque no bajaba el dinero para el montaje. Tampoco pagan al elenco. Este desinterés y maltrato daña lo artístico y habla de cómo se viene manejando la cultura en la Ciudad. Mi opinión es que el teatro se ha vuelto irrelevante para las autoridades. De lo contrario, no se explica tanta desidia. Trabajamos sobre una obra de Puig, logramos reunir a artistas y técnicos de gran valor y parece que eso no importa. A nosotros sí nos importa, y mucho. Por eso le ponemos disciplina y energía, y seguimos a pesar de todo.

–¿Cómo es su experiencia en el alternativo?

–Las condiciones de producción son diferentes. Ahora voy a estrenar de forma independiente en La Plata, donde tengo un estudio y doy clases de actuación y dirección y organizo talleres multidisciplinarios. Tuve posibilidad de que el Tacec (Centro de Experimentación Escénica, del Teatro Argentino de La Plata) produjera obras mías; Casa Niña Jabalí –que presenté en Buenos Aires– y El fracaso. La nueva es El éxito, continuación de El fracaso, que en realidad no lo fue, porque a raíz de la demora de diez años para estrenar pude intercalar y contar esa peripecia en la obra. En el ámbito alternativo, producimos y creamos con otros tiempos y en cooperativa, pero es importante que el Estado nos apoye y reconozca para tener otra proyección, y para que alguna vez podamos vivir de nuestro trabajo sin hacer tantos malabares.

* Triste golondrina macho, de Manuel Puig (General Villegas 1932- Cuernavaca, México 1990). Elenco: Romina Gaetani, Julieta Vallina, Guillermo Arengo, Blas Arrese Igor y Mónica Raiola. Asistencia artística de Yoska Lázaro; video de Santiago Brunati; iluminación de Alejandro Le Roux; vestuario de Pablo Ramírez; escenografía de Romeo Fasce y Luciana Quartaruolo; música de Diego Frenkel. Lugar: Teatro Regio (CTBA), Av. Córdoba 6056. Funciones: de jueves a sábado a las 20.30, domingos a las 19.30. Platea: 60 pesos. Pullman y palcos altos: 40 pesos. Jueves, día popular: 35 pesos. Reservas: 0800-333-5254.

Gabriela Toscano: “Soy todos los personajes que interpreté”

LA APUESTA AL TEATRO

La actriz, protagonista de “Love, love, love”, destaca la necesidad de compromiso sobre el escenario

“PODÉS TENER MEJORES O PEORES FUNCIONES, PERO EL COMPROMISO TIENE QUE ESTAR”, ASEGURA LA ACTRIZ

Gabriela Toscano protagonista de la obra “Love, love, love” con ocho nominaciones a los premios ACE al teatro que se entregan hoy, afirmó que “uno conforma un instrumento con la voz y el cuerpo; soy todos los personajes, es difícil separar las aguas arriba del escenario”.

“Estamos contentos con estar ternados a los ACE. La pieza -de Mike Bartlett- habla de los jóvenes, pero cuenta la historia de una pareja que se conoce en el 67, la época de cambiar el mundo”, explica. “Con respecto a la mujer, el tema ya no era casarse sino, tener más libertad, en el plano sexual y para trabajar a la par del hombre”, detalla la actriz.

Sentada sobre una de las butacas del Multiteatro, donde ya realizó más de 170 funciones del bello texto, se entusiasma describiendo a su criatura compleja como a “una luchadora, una mujer sufrida más allá de su carácter, como ella misma se nombra”.

Toscano quien desde muy chica trabajó en programas hoy devenidos clásicos como “Jacinta Pichimahuida”, suele encarnar a “mujeres firmes pero dulces. Pero esta es la primera vez que me toca hacer a alguien de temperamento tan fuerte”.

Es que Susy -así se llama en ‘Love...’- es una mujer sufrida y egocéntrica, a quien le cuesta aceptar el paso del tiempo y especialmente encarar “un tema tan actual como la responsabilidad, sobre todo la que uno tiene hacia sus propios ideales, el mundo, los hijos y las relaciones”.

Toscano ya supo dar vida a otras dos Susys memorables en el imaginario televisivo, una madre soltera de una adolescente, al borde de un ataque de angustia en “Amas de casa desesperadas” y la entrañable hermana mayor -con baile y canto incluidos- en la premiada “Para vestir santos”, ambos envíos de El Trece.

NUEVAS BUSQUEDAS

Con una vasta y laureada trayectoria, la dama disfruta sobre las tablas y afirma, “a esta altura tengo ganas de contar cosas diferentes, especiales, y que me ayuden a crecer como actriz y a poder mostrar más de lo que soy”.

Según quien encarnó a Clarita, el amor de “El Gitano” Perotti (Julio Chávez en “El Puntero”, también de El Trece), una buena puesta teatral necesita, “tener un buen libro y un director a quien le guste aquello que está contando, capaz de revelar lo presente en el texto”.

La propuesta de Carlos Rivas, responsable de la pieza y su coequiper en la vida es, “desde hace mucho tiempo, que el teatro tiene que estar vivo sobre el escenario. Debe resultar entretenido, pero tiene que suceder, como un ritual entre el espectador y los actores, si no te vas vacío”, puntualiza.

Si bien rechazó propuestas teatrales para el verano, se tomará un breve descanso cuando la pieza baje de cartel a mediados de septiembre, pero su pasión por las tablas permanece.

“Para que suceda el ritual hay que poner el cuerpo y pensarlo todos los días antes de salir a escena. Podés tener mejores o peores funciones, pero el compromiso tiene que estar, aunque eso sea algo que se está perdiendo mucho”.

El teatro también tiene sus modas y vaivenes pero la actriz define al nuevo teatro como, “estar vivo. Lo otro ya fue. Teníamos un teatro antiguo que era declamatorio y estaba bien. Luego vino Stanislavsky para decir ‘bueno che, se pueden contar las cosas de otra manera’ y después se puso naturalista, pero el naturalismo no sirve para la escena”.

“El teatro tiene que ser verdadero, y a la vez debés saber que estás viendo teatro, como si espiaras por el ojo de una cerradura”, concluye.

“Love, love, love”, de Mike Bartlett, con dirección de Carlos Rivas, y las actuaciones de Toscano, Fabián Vena, Vanesa González, Martín Slipak y Santiago Magariños, puede verse en el Multiteatro, Corrientes 1283.